envíado por cursosvirtuales | 11 Diciembre 2007 | 2 comentarios
Con este tema se acaba la entrega de los contenidos del CURSO ON LINE. FOTOGRAFIA DIGITAL, SACALE PARTIDO A TU CAMARA que ha promovido Jazztel y el IES Puerta Bonita con el fin de acercar la tecnología digital a los usuarios y amigos de la fotografía.
FLUJOS DE TRABAJO
El trabajar con soportes digitales nos hace disparar con ciertas alegrías… generando una gran cantidad de archivos, y los consiguientes problemas de almacenamiento. Ahora bien, si somos un poco ordenados podemos seguir generando esa gran cantidad de imágenes y guardándolas y archivándolas con una cierta lógica.
Un flujo de trabajo funcional podría ser el siguiente:
• Descargar las imágenes en el ordenador.
• Visualizar las imágenes y descartar (borrar) las imágenes no válidas.
• Convertir los RAWs originales en DNG y en JPEGs a una resolución determinada, si es que trabajamos en RAWs.
• Cambiar el nombre de los archivos.
• Clasificar las imágenes e insertar palabras clave para su búsqueda y edición posterior.
• Guardar los archivos originales y modificados en varios soportes diferentes.
Hay tantos flujos de trabajo correctos como personas. La cuestión es automatizar al máximo las tareas básicas de una manera sistemática. Ganaremos tiempo y tendremos todo bien ordenado.
DESCARGA DE IMÁGENES
El mercado dispone de dos excelentes herramientas para la descarga y manipulación de imágenes: Adobe Lightroom y Apple Aperture. Ambas herramientas permiten, con sus peculiaridades, automatizar los siguientes procesos o al menos facilitarlos sin necesidad de pasar por Photoshop:
• Automatizar y elegir nuestras preferencias para la importación de archivos.
• Crear nombres descriptivos, etiquetas de color y organizar y ordenar nuestras imágenes creando colecciones y asignando palabras clave.
• Realizar retoques básicos y aplicarlos por lotes.
• Enfocar y reducir el ruido, corregir aberraciones cromáticas, recortar, enderezar y calibrar las cámaras.
• Realizar presentaciones de diapositivas agregando fondos, música, etc.
• Definir los ajustes finales para la impresión.
• Gestionar el color.
• Generar una página web y subirla a un servidor.
A la hora de descargar nuestras imágenes, una de las opciones es utilizar el Asistente para escáneres y cámaras de Windows.
Únicamente nos permite seleccionar y borrar las imágenes de una manera poco flexible. Obviamente permite seleccionar la carpeta de destino así como el nombre que deseemos para nuestras imágenes. Nunca debéis activar la opción Borrar las imágenes de mi carpeta después de borrarlas. Hasta que no hayamos comprobado que nuestras imágenes están en nuestro disco duro no debemos borrar las tarjetas. Es un consejo válido para cualquier sistema de descarga.
Todos los fabricantes disponen de su propio software de descarga y visor de imágenes (browser), como Nikon con su discontinuado Nikon View 6 o su versión actualizada ViewNX para Coolpix. Y por supuesto Pentax y Olympus, por citar algunos.
CLASIFICACIÓN DE IMÁGENES
Ya tenemos las fotos. Ahora solo nos queda clasificarlas. Existen herramientas que permite clasificar las imágenes con etiquetas, ya sean con estrellas o con colores.
La clasificación por estrellas va desde 0 a 5. Respecto a los colores permite seleccionar rojo (no válida), amarillo (dudosa), verde (ok) , azul (en edición) y púrpura (para imprimir).
La herramienta verdaderamente potente a la hora de clasificar nuestro archivo es la inclusión de palabras clave. Cada vez que descargamos nuestras imágenes debemos insertar palabras clave que sirvan como índice para buscar nuestras imágenes con posteridad.
Las palabras clave se escriben en los metadatos IPTC. ¿Qué són los metadatos? Pues básicamente datos añadidos a la imagen. De hecho el cuadro de diálogo Obtener información de Photoshop permite añadir metadatos tales como capturas, derechos de autor, instrucciones, etc...
Podemos ver en Propiedades de archivo todos los datos referentes al mismo, como nombre, tipo de documento, tamaño, modo de color, etc. Además podemos ver los Datos de cámara. E incluso los datos referidos al IPTC principal, que en este caso no se pueden ver porque la pestaña no está remarcada (no hay sitio). En estos datos se incluyen los mismos que hemos visto en Obtener información.
Debajo de cada imagen se el título, la fecha, hora, tamaño, clasificación y palabras clave. Pues bien, puede resultar tedioso al principio, pero conviene que cada vez que tengamos las imágenes ya guardadas en nuestro disco duro, y tras una primera edición, que añadamos palabras claven por lote. Es relativamente rápido y nos ayudará enormemente a gestionar nuestro archivo.
EL ARCHIVO DE IMÁGENES
Un último consejo: guardar vuestras imágenes en varios soportes, formatos y en lugares diferentes. Por ejemplo, se pueden guardar en el disco duro del ordenador y también en un disco duro externo exclusivamente para tal fin. Recordemos que son nuestros negativos. Además conviene guardar las versiones originales en RAW y/o DNG además de JPEG. Y para rizar el rizo pues también en un DVD…
Si vuestro volumen de trabajo es muy elevado también podemos recurrir al alquiler de servidores en Internet. Son baratos y permiten almacenar no solamente nuestra propia página web, sino también nuestros archivos. Primero deberíamos registrar nuestro dominio, o sea, el nombre que le vamos a poner a nuestra página web. Ciertas empresas nos ofrecen alojamientos web así como registros de dominio. Y no es caro la verdad. Incluso podemos alquilar servidores para alojar nuestras imágenes.
www.arsys.com
web.iespana.es
www.hostalia.com
www.strato-alojamiento.es
envíado por cursosvirtuales | 4 Diciembre 2007 | 3 comentarios
YA TENEMOS LAS FOTOS. ¿Y AHORA QUÉ?
Comentaba un alto ejecutivo de Kodak que su mujer estaba muy enfadada con él desde que se sustituyó su cámara de toda la vida por una cámara digital. ¿El motivo? Que ya no sacaba copias. Y lo que a ella le gustaba era ver las fotos en papel, compartirlas, ponerlas en un álbum, etc.
La verdad es que con las cámaras digitales se toman más imágenes… pero se positivan menos. Acaban en un ordenador o disco duro, con el consiguiente peligro de éste se nos estropee. O simplemente que el formato en el que están las imágenes desaparezca o se modifique notablemente, como parece que va a ocurrir con nuestros queridos JPEGs, y no tengamos acceso o cueste trabajo y/o dinero recuperarlas. Por supuesto eso es mucho más grave si guardamos nuestros archivos en formatos raw como .CR2 de Canon o .NEF de Nikon. ¿Si desaparece su software nativo que hacemos? ¿Recurrir siempre a Photoshop? Nuestros tristemente olvidados negativos siempre se pueden positivar: solo hace falta una ampliadora y papel fotográfico. Y listo.
Básicamente tenemos dos opciones de salida:
• Copia en papel fotográfico o copia impresa.
• Internet.
Dependiendo de donde vayan a parar nuestras imágenes se requiere un tratamiento distinto.
COPIAS EN PAPEL FOTOGRAFICO
El aficionado recurre casi siempre al laboratorio de toda la vida. En la actualidad casi todos los establecimientos fotográficos pequeños o incluso las grandes superficies positivan ellos mismos nuestras imágenes. Para ello disponen de minilabs de tecnología híbrida, que pueden capturar las imágenes a partir de soportes digitales, como CDs o tarjetas, o bien a partir de los propios negativos con un escáner incorporado.
Estos equipos utilizan trabajan de tres maneras:
• Proyección RGB. Se realizan tres exposiciones sucesivas, cada una de ellas con un filtro coloreado.
• Matrices LED. Se imita la tecnología convencional, creando un negativo virtual a partir de tres matrices creadas con LEDs.
• Proyección a partir de LEDs. mezcla de las dos anteriores, consiste en la proyección de la imagen a partir de LEDs tres veces, una para cada color primario, con el pertinente filtro de color.
En estas mismas tiendas tenemos la opción de encargar nosotros directamente las copias en los kioskos digitales. Introducimos el soporte, bien tarjeta o CD, y en una pantalla táctil podemos elegir el número de copias, tamaño, etc, directamente. En este caso la tecnología utilizada es la sublimación de tinta. El colorante o tinta, que está en estado sólido, pasa a un estado gaseoso al aplicarle una alta temperatura, transfiriéndose al soporte sin pasar por un estado líquido, en este caso papel fotográfico recubierto de poliéster o polímero. Los colorantes utilizados son amarillo, magenta y cian. No se utiliza el negro porque la densidad final de la copia es razonablemente buena. Algunos aparatos permiten dar una cuarta pasada a la copia con un recubrimiento protector UV para aumentar su longevidad. La copia se obtiene prácticamente en el momento. Sin embargo su durabilidad no es comparable a las copias sobre papel fotográfico convencional. Y además tienen un look diferente.
Si visitamos cualquier tienda de informática ya podemos encontrar impresoras domésticas de sublimación con un coste aproximado de 180 € y un formato máximo de copia de 13 x 18 cm.
A nivel industrial se utilizan las tecnologías híbridas: archivo y revelado químico convencional con un procesado RA4.
En 1995 la empresa italiana DURST inventó la tecnología lambda. Consiste en la exposición del papel a partir de un archivo digital mediante láser. El papel, en formato rollo, se desplaza verticalmente siendo recorrido por el haz del láser. Posteriormente se revela con un procesado convencional RA-4. Pueden obtenerse copias en brillo o mate de alta calidad. Los archivos necesitan una resolución, dependiendo de la máquina, de 200 o 400 dpi. Uno de los modelos más populares de DURST es el Lambda HS. Trabaja con prácticamente todos los formatos de archivo, como TIFF, TIFF/LZW (comprimido), JPEG, BMP y Escala de grises en CMYK y RGB. Es un aparato destinado para la obtención de copias en medio y gran formato.
Aparatos como el Lambda 130 permite incluso la utilización de papel baritado en blanco y negro para la obtención de copias en alta calidad, lo que era impensable hace unos años. Además pueden utilizarse otros soportes como el Duratrans, que es un poliéster translúcido para retroiluminación, o el Duraclear, otro poliéster transparante. También se pueden utilizar soportes metalizados, con calidad RC, que aportan un gran impacto gráfico.
Una evolución de esta tecnología ha sido la utilización de leds que realizan la impresión bien a través de fibras ópticas o por contacto, como sucede con la serie Theta 76. En esta máquina la resolución de trabajo es 254 dpi, trabajando exclusivamente con archivos TIFF y JPEG. Es una máquina pensada para obtener copias en medio y pequeño formato.
IMÁGENES PARA INTERNET
Cuando preparamos imágenes para internet debemos considerar que deben abrirse rápidamente, por lo que no deben pesar mucho. Si consideramos que el internauta medio tiene un monitor de 15” podemos seguir la siguiente receta trabajando con Photoshop:
• Convertimos la imagen a 8 bits si estuviese a 16 bits.
• Con Imagen/Tamaño de imagen cambiamos su tamaño en píxeles y su resolución a 650 píxeles por su lado mayor con una resolución de 72 ppi.
• Añadiremos el filtro Máscara de enfoque entre 35 y 55 dejando las demás opciones a 1 y 0 respectivamente.
• Le asignaremos un espacio de color sRGB (Imagen/Modo/Asignar perfil).
• Guardaremos la imagen en formato jpeg con una calidad entre 5 y 8.
Así de simple. Podemos cambiar la resolución a 96 ppi como mucho. La imagen se verá razonablemente bien y no pesará a la hora de enviarla por correo electrónico o a la hora de abrirla en nuestro navegador.
Si queremos saber como se verá exactamente la imagen en un navegador tenemos que visualizarla al 100% en Photoshop. Podemos hacer doble clic en la herramienta zoom o bien nos vamos al menú Vista/Píxeles reales. Si la imagen se ve demasiado grande podemos recurrir a Ventana/Navegador. Movemos el regulador que hay en la parte inferior de la paleta para escalar la imagen hasta el tamaño deseado. En la parte inferior izquierda veremos el porcentaje de ampliación, que nos indica exactamente cuanto hay que escalar la imagen para que aparezca con ese tamaño en un navegador. Ahora nos vamos a Imagen/Tamaño de imagen, activamos la casilla Remuestrear la imagen, cambiamos en el menú que indica la unidad de longitud a Porcentaje e introducimos el valor obtenido anteriormente y clicamos Ok. Listo. Si hacemos doble clic sobre la herramienta Zoom veremos exactamente como quedará en el navegador.
envíado por cursosvirtuales | 22 Noviembre 2007 | 3 comentarios
UN POCO DE HISTORIA
El desnudo es una disciplina que casi todos los fotógrafos, en algún momento de su trayectoria, acaban por abordar con mayor o menor fortuna. A la hora de enfrentarse al género los planteamientos son muy diferentes entre culturas, sexos o tendencias sexuales. Y por supuestos cada época marca una tendencia, influida por el contexto histórico y social del momento.
El primer desnudo de la historia fue un autorretrato de Bayard, allá por 1840, si bien el planteamiento del mismo no era artístico sino más bien reivindicativo. Con el desarrollo de la técnica del daguerrotipo se acortaron los tiempos de exposición, con lo que se popularizaron los retratos y por supuesto los desnudos. Eso sí, siempre bajo la coartada de los temas clásicos para aportar credibilidad y respetabilidad.
A partir de 1845 se desarrolla la fotografía estereoscópica y con ella los desnudos estéreos, especialmente en Francia. La experiencia era de lo más interesante, si tenemos en cuenta que no existía ni la tv ni el cine y era lo más parecido a la realidad. Dentro de este género se cultiva exclusivamente el cuerpo femenino.
Aparece una cierta especialización en el género con diversas variantes: estudios basados en la naturaleza (sic) y en escenas mitológicas, imágenes eróticas e incluso pornográficas, además de estudios para pintores que necesitaban modelos. Este último hecho propició la excusa perfecta para fotografiar el cuerpo masculino. Recordemos que el mismo estaba prácticamente proscrito salvo que se enmascarase en temas clásicos: imitación de poses clásica, reflejos en espejos, en agua, hojas de laurel y parra por doquier…
Así mismo tienen mucha difusión las cartas de visita, obra de un avispado Disderi, a modo de las postales actuales, que no solamente se nutrían de retratos al gusto de la época, sino también de desnudos… incluso de las profesionales del amor.
Tras la Primera Gran Guerra los valores sociales cambian. La incorporación de la mujer al trabajo liberaliza el cuerpo: la rígida indumentaria femenina se transforma considerablemente. En esa época de diversión se potencia el culto al cuerpo y todo lo que le rodea: la danza, la gimnasia, el nudismo, la comida vegetariana, etc. Y la fotografía no se siente ajena a estos tiempos. Excelente excusa para realizar fotografía erótica.
Recordemos el desembarco de los grandes ballets rusos en Estados Unidos donde la indumentaria era mínima y así eran retratados. E incluso se empiezan a vender en kioskos postales de bailarines ligerísimos de ropa… que más de un hombre compraba.
Por otra parte los grandes estudios cinematográficos no desaprovechan la oportunidad y empiezan a realizar fotografías más o menos eróticas de sus estrellas. Por ejemplo, Cecil Beaton con su Tarzán: Johnny Weissmuller, icono gay del momento.
En los años treinta el desarrollo técnico de la fotografía se aplica a este género fotográfico: solarizaciones, fotomontajes y perspectivas distorsionadas son utilizadas creativamente por autores como Man Ray, desde una perspectiva de fotografía de autor.
En la Alemania de estos tiempos el culto al cuerpo alcanza notables niveles de aceptación, siendo potenciado por las autoridades. Aparecen sociedades nudistas y deportivas. Paralelamente aparecen revistas y magazines que tratan estos temas. Las fotografías no tienen, en principio, ninguna intención erótica, aunque será el embrión para veinte años después cimentar un mercado de marcado carácter homosexual.
Durante y tras la Segunda Guerra Mundial las costumbres se relajaron y la indumentaria también, especialmente la femenina. Aparecieron revistas con un velado contenido erótico, anticipado con las pin ups pintadas de Vargas y oros autores, dibujadas y más tarde fotografiadas, especialmente en la revista “Esquire”.
También había un hueco para la fotografía de autor, como los excelentes desnudos realizados por Bill Brand con imágenes distorsionadas en espejos. La imagen realista del cuerpo desaparece en pos una imagen donde los pliegues, deformaciones y distorsiones aportan una nueva visión.
En los años cincuenta el mercado de publicaciones eróticas vía correo se desarrolló ampliamente, gracias a las suscripciones, especialmente las revistas para homosexuales, muchas de ellas camufladas bajo el género de las publicaciones de culturismo.
En 1953 apareció la mítica revista “Playboy”, con una estupenda Marilyn Monroe, Miss Diciembre. Y que mejor fotografía que Marilyn desnuda sobre terciopelo rojo. La fotografía fue realizada por Tom Kelley, un fotógrafo de pin-ups. Y los derechos de toda la serie fueron comprados por ¡500 dólares! La revista sigue siendo un clásico.
La revolución de los sesenta no fue ajena a la fotografía. La liberación de tabúes se reflejó en la literatura, en el cine y como no en la fotografía.
Sin embargo hubo de pasar un tiempo hasta que las publicaciones de gran tirada, como las revistas de moda, se atreviesen a publicar un top less. Significar la importancia del Calendario Pirelli, lanzado en 1963, que llegó a ser una especie de barómetro de permisividad social. Sus primeras imágenes eran de una descarada eroticidad, aunque hubo que esperar hasta 1971 para ver un pezón.
La fotografía de autor en estos años se mantiene viva gracias a figuras tan dispares como Jerry Uelsmann, autor de excelentes montajes fotográficos donde el desnudo tiene una gran importancia, eso sí, exhenta de cualquier carga erótica. Así mismo aparece la figura de Lucien Clergue, autor de excelentes desnudos que combinan sabiamente el cuerpo femenino con las olas, el movimiento, la luz.
A finales de los sesenta las revistas de hombres ya podían publicar regularmente desnudos frontales sin necesidad de retoque alguno.
Y ya en los años setenta el desnudo va adquiriendo nuevos espacios de libertad tanto en el cine, como en las revistas de moda y en los libros. Ciertos autores como Mappletorpe combinan alternativamente la cara más dura de la pornografía, de la homosexualidad en su lado más sórdido con un trabajo de corte muy clásico, influenciado por autores como George Platt Lynnes, Hoyningen-Huene y Horst.
Con la llegada de los años ochenta se vuelve otra vez a poner de moda el uso del blanco y negro, nunca abandonado por otra parte. Y quien mejor que Mappletorpe para aupar el género. Desde que la ciudad de Cincinnati se negase a exponer sus desnudos, enseñar los mismos se convirtió en el equivalente a defender la libertad de expresión. Y además Mappletorpe, excelente relaciones públicas, acabó vendiendo su obra a grandes coleccionistas y millonarios poniendo más de moda el género si cabe.
El mundo de la publicidad y de la moda empezó a utilizar el desnudo, tanto masculino como femenino, con unos cuerpos apetecibles y en unas situaciones nada inocentes. En estos años se genera el fenómeno de las top-models quienes en mayor o menor medida desnudaron sus cuerpos en excelentes campañas publicitarias. Recordemos los excelentes trabajos de autores como Bruce Weber, Richard Avedon, Herb Ritts y Greg Gorman entre otros.
Y en los noventa, siguiendo la misma estela de la década anterior, aparece una nueva moda, al margen de los géneros ya tratados, como es el fetichismo en la fotografía en su variante más light y hortera. Autores como el desaparecido Bob Carlos Clarke y Charles Riff así lo atestiguan.
También hay que destacar el trabajo de algunos francotiradores, muy imitados, como Helmut Newton, iniciado en los setenta y continuado hasta su muerte. Y algunos fotógrafos muy interesantes como Jonvelle y Dahmne, con frescas imágenes de carácter vouyerístico y desnudos en exteriores, respectivamente.
En la actualidad no es un género muy popular, si bien hay una gran diversidad de autores por todo el planeta, que con sus diversos planteamientos estéticos y formales, siguen enriqueciendo el panorama.
LOS MODELOS
Es casi siempre la primera dificultad que se encuentra el fotógrafo. Casi siempre se empieza con lo que se tiene más a mano: novi@ o amig@. Cuando ya se tiene una obra que enseñar aparecen por ahí compañeros de estudios o trabajo, amig@s de tu pareja, etc, que se animan. Otra fuente interesante es internet y las agencias de modelos, donde muchas modelos trabajan vía TFCD (time for cd) o TFP (time for prints) sin que nos cueste un euro. Normalmente se trata de modelos con nula o poca experiencia.
Si por el contrario queremos trabajar con modelos profesionales tendremos que recurrir a agencias con tarifas elevadas y la firma de un contrato.
Independientemente del tipo de modelo escogid@, conviene firmar un contrato por duplicado en el que se especifica las condiciones de toma de la sesión, así como la remuneración económica si la hay, pero sobre todo los derechos de imagen y donde y como se pueden mostrar o publicar dichas imágenes. Muchas personas se dejan fotografiar y con el paso del tiempo se arrepienten y se pueden producir situaciones muy desagradables para ambas partes.
Cuando abordo el desnudo siempre me gusta tener una reunión previa con la modelo, especialmente si no la conozco en profundidad. Le enseño una muestra de mi trabajo y la dejo hablar. Que me cuente que tipo de fotografías desea, hasta donde quiere llegar, sus miedos o complejos, etc. Incluso algunas pueden plantear el hecho de que una tercera persona de su confianza esté presente. Hay modelos que dejan plena libertad al fotógrafo.
Por supuesto os aconsejo que antes de abordar este tema tengáis un pleno dominio o seguridad en el manejo de los equipos, tanto cámaras como flashes y accesorios. Vuestra seguridad personal y profesional se contagiará al modelo, para lo bueno y para lo malo.
También conviene que las condiciones de trabajo sean idóneas. Un estudio improvisado puede servir siempre y cuando no haga frío, no haya mobiliario que nos moleste, terceras personas, etc. También le podemos pedir al modelo que traiga su propia música ambiental. En definitiva se trata de que se sienta cómodo.
Conviene además que el modelo venga con ropa cómoda y holgada, tipo chándal y sin ropa interior, para que no se noten las marcas de la misma y no perdamos tiempo esperando a que desaparezcan. También conviene, para ciertos tipos de imágenes, aplicar una crema hidratante, nunca aceite corporal, para que la piel tenga mejor aspecto sin molestos brillos.
LUZ NATURAL EN EXTERIORES
No es necesario tener un equipo fotográfico espectacular para tomar buenas imágenes. La luz natural nos proporciona calidad, textura… y además es completamente gratis.
Si trabajamos en exteriores conviene evitar las horas centrales del día. Al amanecer o al atardecer la luz cae oblicuamente y nos aporta texturas y sombras muy interesantes. El único elemento que conviene llevar es algún tipo de reflector de relleno, como el típico parasol de coche. Respecto a la sensibilidad conviene trabajar a la menor posible. En estos casos se puede trabajar a 100 ISO perfectamente sin problemas.
LUZ NATURAL EN INTERIORES
Puedes captar excelentes imágenes con luz natural en tu propia casa sin necesidad de flashes u otro tipo de lámparas. Eso sí, posiblemente tendrás que trabajar con sensibilidades altas.
La siguiente fotografía está tomada con la luz del atardecer que entra por la ventana. La sombra de la propia ventana tipo inglés más la cortina crea unos reflejos muy interesantes a la izquierda de la imagen.
EL ESTUDIO IMPROVISADO
Lo ideal sería trabajar en un estudio con sus fondos, sus flashes compactos y/o generadores, etc. Podemos solventar estas carencias con un poco de imaginación… y un pequeño aporte presupuestario. Necesitamos un cable sincro de unos 2 metros como mínimo (para disparar el flash principal alejado de la cámara), una célula fotoeléctrica para disparar el segundo flash, un trípode y una zapata que permita colocar el flash en el trípode.
El segundo flash no tiene que ser necesariamente tan potente como la unidad principal. Eso sí, debe trabajar al menos en automático. Si nuestra cámara no dispone de sincro X en el cuerpo, podemos comprar una económica zapata con salida sincro.
envíado por cursosvirtuales | 14 Noviembre 2007 | sin comentarios
UN POCO DE HISTORIA
En las próximas páginas veremos algunas técnicas básicas para afrontar con éxito un reportaje fotográfico, a modo genérico, si bien existen diversos aspectos muy específicos en función del género que se aborde. No es lo mismo enfrentarse a una manifestación, una boda o un acontecimiento deportivo. Cada situación requiere un enfoque particular, si bien la estructura es prácticamente común en todos los géneros. Pero comencemos dando breve repaso histórico.
El fotoperiodismo se desarrolló especialmente en la Alemania de los años 30. Los rotativos alemanes se caracterizaban por su modernidad en términos de maquetación y de enfoque periodístico. De hecho muchos de sus artífices emigraron a Inglaterra, Francia o Estados Unidos antes y durante la segunda guerra mundial. Con respecto al fotoperiodismo hasta esa fecha se utilizaban pesadas cámaras, como la Speed Graphic, de cuatro kilos de peso, que permitía obtener dos tomas con película.
O la Graflex, que utilizaba placas de vidrio de 4” x 6”. Más moderna era la Ermanox, que tenía un objetivo con una apertura de f/1.8. (¿cuál es el diafragma máximo de vuestros modernos objetivos?), pero que disparaba placas de vidrio con un disparo único.
El advenimiento de las nuevas cámaras, como la Contax 1 o la Leica 1, ambas de telémetro, supuso un gran avance, no solamente técnico, sino además periodístico. Recordemos que estas cámaras permitían disparar 36 fotos seguidas, eran muy discretas y silenciosas, además de poder disparar sin necesidad de flash, puesto que las emulsiones eran cada vez más rápidas.
Esto se traducía en que en los reportajes se captaba la atmósfera del momento, sin verse enturbiados por el uso del flash o por la misma presencia del fotógrafo. Y además no había que centrarse en la imagen única, sino que se podían captar más imágenes que cubriesen el evento. Paralelamente se fueron perfeccionando y mejorando los flashes, haciéndose cada vez más pequeños y potentes, como podemos ver en la imagen siguiente.
A partir de ahí la evolución de la fotografía fue imparable, llegando el nacimiento de las grandes revistas del género. Las pioneras alemanas como Berliner Illustrierte Zeitung o Manchen Illustrierte Presse fueron imitadas y superadas por News-Week, Fortune, Life o Look, revistas míticas de gran éxito hasta la consolidación de la televisión.
LA NOTICIA Y EL ENSAYO FOTOGRÁFICO
La fotografía del periódico diario es, en la mayoría de los casos, un mero documento circunstancial, condenado al olvido al día siguiente por la misma dinámica del medio. Si bien es necesario un pie de foto en la mayoría de los casos, una fotografía debería hablar por sí misma, sin necesidad de apoyos externos.
El problema es que el pie de foto se hace necesario por dos motivos:
• La imagen no funciona por sí misma (en algunos casos).
• Se necesita una interpretación de la imagen, en función de los intereses informativos amén de editoriales y por supuesto políticos.
El fotógrafo sabe que en un periódico solo se publica una fotografía sobre un acontecimiento, por lo cual ha de ser muy selectivo a la hora de enfocar cualquier evento. En cualquier caso siempre se hace necesarias unas tomas de apoyo de complementen el reportaje, si bien la mayoría de su trabajo pasará al archivo en el mejor de los casos.
Si se trabaja para un suplemento dominical o para una revista de información general, el enfoque es diferente. En este caso se publican más imágenes, con una clara asociación de fotografías y textos periodísticos en un ámbito de investigación. Ahora bien, podemos encontrarnos varios planteamientos:
Seguimiento de un acontecimiento bajo las premisas de un guión previo, marcado por la línea editorial y/o gráfica del medio.
Ensayo fotográfico como conjunto de imágenes que expresen la opinión de su autor, tal y como sucedería con la editorial de un periódico. En este caso el fotógrafo no es neutral.
Documentación fotográfica sobre un acontecimiento, lugar o modo de vida, de tal suerte que simplemente las imágenes describan dichos eventos.
En todos estos casos se requiere tiempo, hablamos incluso de meses, para afrontar ciertos reportajes. El problema es que los medios cada vez manejan presupuestos más cortos y dan menos tiempo a los fotógrafos para presentar sus trabajos.
COMO REFLEJAR UN ACONTECIMIENTO
Planos generales
Cuando estamos en un evento o acontecimiento rodeados de gente, nuestra tendencia natural es movernos y/o mirar de un lado para otro para hacernos una mejor idea del lugar. Pues bien, eso es lo que tenemos que hacer como fotógrafos, conseguir una buena perspectiva general que sitúe al observador.
Un plano general muestra el lugar en el que sucede la noticia: interior, exterior, noche, día, etc. También nos tiene que mostrar la posición de los participantes. Es descriptivo y sirve también para comprender mejor el resto de las imágenes.
Un buen consejo sería tomar dicho plano desde un punto relativamente elevado y trabajar con un objetivo angular. Lamentablemente los objetivos zooms con los que viene equipadas vuestras cámaras suelen tener una longitud focal de 35 mm o en el mejor de los casos de 28 mm. Pues bien, con un 24 mm se pueden hacer maravillas, desde abarcar toda una sala o habitación con poco tiro de cámara, hasta una rueda de prensa rodeados de público.
Plano medio
Es quizás el más complicado de tomar puesto que debe poder contar toda la historia en una sola fotografía. Debemos ser capaces de ver la acción de los participantes y pero a la vez debe mostrar su relación con el entorno en el que interactúan.
En estos casos los angulares siguen funcionando bien así como cualquier objetivo de 50 mm o tele corto, como un 90 mm.
Primer plano
Un primer plano añade un dramatismo extra a la imagen. El impacto de un primer plano suele ser muy elevado si reflejamos la felicidad o el dolor o cualquier otro tipo de expresión.
Tenemos que ser capaces de aislar cualquier elemento aportándole más énfasis. Ni que decir tiene que no siempre hemos de centrarnos en una cara. Unas manos pueden aportar más a una historia que el propio rostro de la persona.
Para trabajar son recomendables los teles, no necesariamente largos. Con un 200 mm se puede trabajar a una distancia cómoda sin problemas.
COMO APROXIMARSE A UN ACONTECIMIENTO
A la hora de enfrentarnos a un acontecimiento en el que participa gente, podemos optar por diferentes posturas.
La primera es mezclarnos con la gente, interactuar con ellos para que seamos aceptados en el grupo. En muchos casos se requiere bastante tiempo y no llevar la cámara encima. Después llega un momento en el que las personas se olvidan del fotógrafo puesto que están concentrados en su actividad y la figura de éste les resulta natural. No resultan intimidados y el propio fotógrafo pasa a ser casi invisible, sin interferir en las actividades de los retratados. Un claro ejemplo podría ser Cristina García Rodero en su excelente trabajo “La España oculta”.
En otras ocasiones solo nos queda mantenernos a la espera, al acecho. Y a una distancia prudencial. No queremos ni debemos ser vistos. En estos casos se requiere un buen zoom o tele y mucha paciencia. ¿Os suena el denostado término paparazzi?
Otra técnica consiste en todo lo contrario a las dos primeras. Llegamos, observamos al sujeto, disparamos varias veces y salimos pitando. Por cierto, que uno de los fotógrafos que utilizaban habitualmente esta técnica era el mismísimo Henry Cartier-Bresson. En estos casos se requiere tener mucha cara y buenas piernas.
En los tres casos se ha de aplicar una norma: no agotar completamente la capacidad de nuestra tarjeta. Siempre debemos dejar algo de espacio porque no sabemos lo que puede pasar. Si bien lo aconsejable es disparar en RAW, cuando queda poca tarjeta una buena idea es disparar en JPEG en media o alta resolución. Aumentará considerablemente el número de disparos en reserva.
envíado por cursosvirtuales | 6 Noviembre 2007 | sin comentarios
INTRODUCCION
Desde sus inicios la fotografía ha servido para inmortalizar a nuestros seres queridos… o no tan queridos. La humana necesidad de recordar a las personas de nuestro entorno favoreció el desarrollo de la fotografía enormemente, relegando a una elitista pintura a un segundo plano.
El retrato ha sido siempre el género más popular dentro del ámbito fotográfico. Sin embargo retratar nunca ha sido fácil. La mayoría de las imágenes de aficionado no suelen ser especialmente buenas a nivel compositivo o expresivo, si bien el aspecto técnico suele estar correctamente resuelto… gracias a la electrónica de nuestras cámaras. Nuestra benevolencia hacia el fotógrafo tiene más que ver con el cariño hacia la persona retratada que con la calidad de la imagen en sí.
TIPOS DE PLANOS
Como vimos en el tema 5 debemos encuadrar correctamente en función de nuestras imágenes. Vamos a empezar por lo más básico: los tipos de planos.
Plano general: sitúa a la persona o personas retratadas en una localización determinada, lo que permite en cierta medida ampliar la información sobre el sujeto, sin que nos centremos exclusivamente en el mismo.
Plano medio: a medio camino entre un plano general y un primer plano, permite concentrarnos en la persona retratada sin perder el interés en su ubicación.
Primer plano: concentra el interés sobre la persona retratada, atrayendo la atención sobre sus reacciones y emociones. Por otra parte un primer plano puede revelar información no deseada, como imperfecciones y/o defectos en la piel y rostro de la persona, por lo que hay que tener cuidado, aunque éste no sea el caso:
Close-up: primerísimo primer plano que concentra la atención sobre un aspecto determinado del sujeto. Su utilización no es muy habitual en el ámbito del retrato, si bien aporta elementos de interés en el mismo. Para su realización es necesaria la utilización de un objetivo macro, o bien un teleobjetivo con su máxima longitud focal pero a la distancia mínima de enfoque. En este caso se enfoca acercándonos o alejándonos del sujeto.
LA ILUMINACION EN EL RETRATO
El tipo de iluminación determina sustancialmente el carácter de una imagen y por lo tanto el aspecto de la persona retratada.
Pues bien, veamos como se pueden mejorar nuestros retratos simplemente con la correcta elección de la iluminación adecuada, tanto con luz ambiente como con flash.
La luz lateral aporta tridimensionalidad y carácter a la imagen. Sin embargo, conviene rellenar un poco para que no se creen unas excesivas sombras no muy favorecedoras, salvo que esa sea nuestra intención.
También podemos jugar con dos luces laterales para imprimir carácter a la imagen resaltando los volúmenes. Fijaros en su rostro y en el brazo.
ALGUNOS CONSEJOS IMPRESCINDIBLES
Las focales largas, como teleobjetivos o zooms, son ideales para el retrato no posado: posibilitan el no tener que acercarnos al motivo, no invadir su distancia personal y mantenernos en el anonimato, permitiendo que el sujeto se desenvuelva sin interferencias.
No utilicéis nunca angulares para un retrato y menos a corta distancia, la cara se deformará.
Por último comentaros que frente a la persona retratada podemos adoptar dos aptitudes muy diferentes: la del respeto y todo lo contrario, utilizando al modelo como un objeto a nuestro capricho. Vuestra es la decisión. Y recordar lo que dijo en su día un gurú de la fotografía: “Todo retrato es un autorretrato”.
envíado por cursosvirtuales | 5 Noviembre 2007 | 1 comentario
En esta semana vamos a publicar el tema 5 y el tema 6 del curso on line FOTOGRAFIA DIGITAL. SACALE PARTIDO A TU CAMARA promovido por Jazztelia y el IES Puerta Bonita.
CONSIDERACIONES BASICAS
Si resulta fundamental conocer todas las posibilidades técnicas de nuestras cámaras también lo es saber ver, que no mirar, observar y componer correctamente una imagen. Resulta muy recomendable ver el trabajo de los demás y analizar su proceso de toma, siempre se aprende. Se trata en realidad de educar la visión y practicar. ¿Cuáles son los elementos que tenemos que tener en cuenta a la hora de tomar nuestra imagen?
• Formato: la primera decisión a la hora de disparar es elegir un formato vertical u horizontal.
• Tema: en cualquier imagen debe elegirse un motivo o sujeto que destaque sobre el resto de la composición.
• Punto de vista: es muy diferente abordar una imagen en picado (desde arriba) o contrapicado (desde abajo), o incluso desde una altura media o neutra. El significado de la imagen cambia considerablemente.
Todos estos elementos sabiamente combinados producen notables resultados.
FORMATO
Nuestra visión es esencialmente panorámica y abarca un ángulo de visión mayor que el del objetivo estándar de una cámara fotográfica. Cuando miramos a través del visor a nuestra primera aproximación al tema es esencialmente horizontal, por cuestiones obvias: por un lado coincide el formato de la cámara con nuestro formato y además la cámara se sujeta mejor horizontalmente. Así pues la tendencia normal es disparar horizontalmente.
El formato horizontal es idóneo para fotografía de paisajes y vistas generales. Téngase en cuenta que el formato de nuestras cámaras digitales es, en el caso de las profesionales y las cámaras analógicas, de 24 x 36 mm. La relación de aspecto es 3:2, mucho más equilibrada y agradable que un formato cuadrado. Vuestras cámaras digitales incluso disponen de un sensor CMOS en formato APS-C, mucho más apaisado, con una relación de aspecto más elevada.
Las tomas horizontales son más narrativas y presuponen una lectura de la imagen de arriba a abajo y de izquierda a derecha, tal y como leemos un libro. Ahora bien, a la hora de componer podemos y debemos, alterar ese modus operandi y aportar nuestras propias reglas de lectura a la imagen.
TEMA
El objeto de cualquier fotografía consiste en destacar un motivo o una persona sobre el resto de la composición. Para el novato la tendencia natural es colocar al motivo justo en el centro del visor, coincidiendo con las marcas del enfoque. Es lógico ya que es el lugar al que instintivamente dirigimos la mirada.
Evidentemente un motivo central puede resultar muy efectivo con motivos simétricos, especialmente en fotografía de arquitectura o paisajes. Ahora bien, se debe ser muy preciso a la hora de centrar el motivo, puesto que un ligero descentramiento de la imagen provocaría una imagen desequilibrada.
Los fotógrafos compartimos con pintura una manera clásica de componer la imagen, que consiste en dividir mentalmente una imagen en tercios verticales, para situar después la motivo sobre una de las líneas divisorias. Es lo que conocemos como regla de los tercios.
Esta regla es válida tanto para motivos horizontales como verticales. Simplemente debemos situar, aunque no siempre exactamente, el motivo sobre cualquier de estas líneas.
El equilibrio en la imagen no es únicamente una cuestión de posicionamiento. También podemos componer con el color y con el tamaño de los elementos compositivos, creando contrastes y diferentes pesos visuales.
PUNTO DE VISTA
Es quizás uno de los elementos menos considerados por los fotógrafos, ya que se suele disparar casi siempre desde un punto de vista neutro.
Ahora bien, si disparamos desde arriba realizaríamos un picado.
Los contrapicados también resultan efectivos a la hora de aportar sensación de grandiosidad.
Seguimos con el tema 6: EL RETRATO.
envíado por cursosvirtuales | 22 Octubre 2007 | 2 comentarios
En esta ocasión, publicamos el tema 4 del curso on line FOTOGRAFIA DIGITAL. SACALE PARTIDO A TU CAMARA.
TÉCNICAS BÁSICAS DE MEDICIÓN: LUZ INCIDENTE Y REFLEJADA
La calidad técnica de una fotografía depende, entre otros factores, de la exposición. Saber determinarla adecuadamente es imprescindible. Para ello los fotógrafos nos valemos de la utilización de los exposímetros manuales y de los incorporados en nuestras cámaras, especialmente de estos últimos si somos aficionados. Cada uno tiene sus ventajas y sus inconvenientes.
Los exposímetros de mano permiten lecturas de luz incidente y de luz reflejada, mientras que los incorporados en las cámaras sólo permiten la medición de luz reflejada. Ahora bien, ¿qué diferencias existen entre ambos tipos de medición?
La luz incidente es la que cae sobre el motivo. La luz reflejada, como su nombre indica, es la que llega a la cámara tras ser reflejada por el motivo. No es lo mismo fotografiar a una novia con un inmaculado traje blanco que a una abuela vestida de luto riguroso. Si bien la luz que llega pudiera ser la misma en ambos casos, la que reflejan ambas es muy diferente. Todos los exposímetros de nuestras cámaras miden exclusivamente la luz reflejada y en el ejemplo anterior, si situamos a ambas personas en el mismo lugar, recibiendo por tanto la misma luz, nuestro exposímetro nos daría dos mediciones completamente distintas.
La luz reflejada es la medida por nuestra cámara, siendo muy rápida y cómoda, ya que no nos tenemos que acercar al motivo. Los exposímetros están calibrados para que cuando midan una superficie, sea cual sea, se obtenga un tono gris medio. Este gris tiene un 18% de reflexión. Cualquier sistema de luz reflejada lo que hace es asumir que el motivo que está midiendo refleja la misma cantidad que ese gris medio. Por tanto sólo es realmente eficaz cuando mide algo que coincide con ese gris.
La medición de luz incidente sólo es posible con el uso de exposímetros o flashímetros de mano. La medición se realiza poniendo el exposímetro junto al motivo, delante de él y orientándolo hacia la cámara. Hay que evitar producir sombras que incidan sobre la célula fotoeléctrica del aparato.
Exposímetro-flashímetro Sekonic
La precisión de los exposímetros incorporados en las cámaras actuales es tan buena que no necesitamos recurrir a uno manual, salvo que nos dediquemos a la fotografía de estudio o queramos medir con absoluta precisión.
TECNICAS DE MEDICION EN LA PRÁCTICA
Recordar que nuestras cámaras miden, en la mayoría de los casos, con un sistema matricial y de preponderancia central. Y algunas hasta realizan mediciones puntuales.
El sistema matricial es ideal para casi todas las situaciones posibles, exceptuando contraluces acusados, iluminaciones complicadas, como las que podemos ver en espectáculos teatrales o musicales o con fuentes de luz muy potentes sobre fondos oscuros. E incluso cuando fotografiamos en paisajes nevados con mucha luz solar.
El modo de preponderancia central es estupendo en situaciones de contraluz. Para utilizarlo lo seleccionamos en la cámara, medimos la zona que nos interese, apretamos el botón de bloqueo de la exposición (suele venir marcado con un asterisco o con las iniciales AE) y luego reencuadramos si es necesario. Después disparamos. Es una operación muy rápida en la que no tenemos que apartar los ojos del visor, ya que el botoncito AE suele activarse con el pulgar en la parte trasera de la cámara.
El modo puntual o spot es uno de los grandes desconocidos para los aficionados y sumamente eficaz. Imaginaros a un cantante sobre un escenario, donde únicamente él está iluminado con el haz de un cañon de luz. El resto está prácticamente a oscuras. Si midiésemos con el modo matricial saldría el fondo quizás con detalle pero el solista absolutamente quemado, blanco. En este caso únicamente tenemos que medir la luz en el punto que nos interese, por ejemplo la cara del solista, apretar el botoncito AE, reencuadrar y disparar. Así de simple.
EL FLASH ELECTRONICO
Hay dos tipos de flashes electrónicos: portátiles y de estudio. Cada uno de ellos tiene unas características peculiares, pero todos comparten los mismos componentes básicos: condensador, tubo de destello y circuitos de disparo y control.
La potencia de un flash es fundamental a la hora de elegir cualquier unidad. Todas las unidades nos informan sobre la misma gracias al número guía.
Otra característica a tener en cuenta es el tipo de sincronización con la cámara. En las cámaras de 35 mm de gama media, la velocidad de sincronización suele ser de 1/60 ó de 1/125. En las de gama alta la sincronización suele ser de 1/250 o de 1/300. Cuanta más alta, mejor, ya que tendremos más flexibilidad a la hora de utilizar el flash de relleno en exteriores.
FLASHES PORTÁTILES
En el mercado disponemos de unidades muy simples para aficionados, y otras de gran potencia y elevadas prestaciones (antorcha), para aficionados avanzados y/o profesionales (prensa y fotografía social mayoritariamente).
Todos los flashes permiten trabajar, según su complejidad, en los siguientes modos: manual, automático y TTL.
FLASHES DE ESTUDIO
Debido a sus características y elevado precio, solo aptos para profesionales, no son objeto del presente curso. Quien sabe, lo mismo acabáis comprando alguno.
Los flashes de estudio se dividen en dos categorías: los compactos o monolíticos y los que disponen de un generador con antorchas o cabezas de flash.
Especialmente los segundos disponen de elevadas potencias, aunque ambos tipos tienen que alimentarse de la red eléctrica. Sus componentes comunes son un generador, la antorcha, la luz piloto y sus múltiples accesorios. La función del generador consiste en elevar la tensión de corriente alterna de la red a 500 voltios, convirtiéndola en corriente continua, la cual carga una batería de condensadores que, posteriormente, se descarga cuando el flash se dispara.
ACCESORIOS
Si algo caracteriza a los flashes de estudio es la posibilidad de modelar la luz, simulando diferentes calidades gracias al uso de varios accesorios. Podemos simular la luz del sol, la luz que entra por una ventana un día nublado o incluso la luz ambiente de una lámpara de techo.
Para empezar en todas las cabezas se pueden poner diferentes reflectores, de mayor o menor tamaño, para concentrar la luz o dispersarla. Estos dispositivos ofrecen una luz que produce sombras duras.
Otro accesorio fundamental es la ventana y las cajas de luz o softbox. Las primeras son de tela mientras que las segundas son de plástico. Proporcionan una luz suave y por lo tanto unas sombras difusas. Si se quiere concentrar un poco más la luz se utilizan paraguas, con superficies reflectantes blancas, plateadas o doradas, para conseguir diferentes calidades de luz.
Además se pueden incorporar otros accesorios como visores o aletas para recortar la luz o incluso cabezas de flash de forma anular, muy apreciadas en fotografía de moda, ya que se obtiene una sombra pequeña alrededor de toda la figura del modelo con una alta saturación de color.
envíado por cursosvirtuales | 17 Octubre 2007 | 3 comentarios
Nueva publicación de los temas de curso on line FOTOGRAFIA DIGITAL. SACALE PARTIDO A TU CAMARA, en esta ocasión del tema 3. Nos damos cuenta que sois buenos alumnos/as y grandes fotógrafos.
CONFIGURACIÓN DE UNA CAMARA DIGITAL: MENUS
Las configuraciones básicas de los menús de las cámaras réflex son muy similares entre sí, con pequeñas diferencias propias en cada fabricante y cámara, si bien con las indicaciones expuestas a continuación podremos configurar cualquier cámara. Eso sí, nada os va a librar de la pertinente sesión de mesa camilla, o lo que es lo mismo, sentarse con las instrucciones y tomárselo con paciencia, puesto que cada cámara es un mundo. Ciertos parámetros de la configuración pueden estar duplicados tanto en el montante superior de la cámara con botones o diales de acceso secuencial, como en los menús que aparecen en la pantalla LCD.
Es de agradecer que la pantalla LCD sea lo más grande posible, puesto que en ella no solamente vemos las fotos, sino todos los menús. En algunos modelos ya las encontramos de hasta tres pulgadas. Los botones más importantes son los siguientes: MENU – INFO – PLAY, situados por orden ascendente a la izquierda de la pantalla, mientras que a la derecha suele encontrarse SET, amén de un dial que permite navegar por los elementos de los menús emergentes, sirviendo SET como confirmación al ser pulsado. También algunos modelos incluyen una PAPELERA para el borrado de imágenes. Veamos los elementos más importantes que aparecen cuando seleccionamos MENU, teniendo en cuenta que casi todas las cámaras subdividen dicho menú en las siguientes opciones: Disparo, Reproducción, y Configuración.
Las cámaras permiten utilizar varios parámetros o ajustes personalizados que pueden modificarse y guardarse según las necesidades del fotógrafo.
Dichos parámetros permiten guardar configuraciones personalizadas (según modelos) de Contraste, Saturación, Nitidez y Tono de color. Incluso permiten elegir imágenes en Blanco y negro y virados a Sepia y Azul.
Otros modelos sustituyen los parámetros descritos anteriormente por nomenclaturas más específicas (cuyos ajustes son prácticamente iguales) que ayudan más al usuario, como Estándar, Retrato, Paisaje, Neutro, Fiel y Monocromo. Además permiten personalizarse de tres maneras diferentes, según el tipo de fotografía deseada.
Las diferencias entre dichos tipos suelen ser relativas a la saturación del color, contraste y enfoque. Por ejemplo, en modo Paisaje se da importancia a los colores azules y verdes, con gran nitidez; mientras que en el modo Neutro los colores están más desaturados y la imagen es muy suave, ya que no se aplica ningún grado de enfoque.
FUNCIONES PERSONALIZADAS
Demasiadas para un aficionado medio, pero muy interesantes en general.
Reducción de ruido: para exposiciones mayores de 1 sg. El problema que plantea es que necesita el mismo tiempo de procesado que de toma, bloqueando la cámara. Yo os aconsejo que lo desactivéis.
Bloqueos/Desbloqueos AE/AF: permiten combinar el punto de enfoque (AF) con el punto de medición (AE) o todo lo contrario, o incluso detener momentáneamente la función del autofocus cuando trabajamos en el modo Servo. Así evitamos la pérdida de enfoque automático cuando se cruza algo ante la cámara.
Intervalos de exposición: Permite seleccionar los incrementos de exposición en velocidades y diafragmas, así como en la compensación de la exposición y horquillados. Podemos elegir ½ o 1/3.
Bloqueo del espejo: Función muy útil para macrofotografía. Si la seleccionamos levantamos el espejo, así cuando disparamos la cámara evitamos la trepidación del mismo al subir, pudiendo disparar con velocidades de obturación bajas. Eso sí, necesitamos poner la cámara en un trípode y realizar un enfoque previo.
Desplazamiento seguro en Av/Tv: Si trabajas en cualquiera de los modos puede ocurrir que momentáneamente cambie la iluminación y por lo tanto la combinación de velocidad y diafragma no sea la adecuada. Al activarse esta opción la cámara automática cambiará dichos parámetros para ajustarse a dicha situación.
Todas las cámaras disponen de un botón INFO en el menú. Si lo presionamos cuando el visor LCD está apagado aparecerá toda la información relativa a la configuración de la cámara. De un vistazo podemos todos los parámetros de toma más importante. Ahora bien, si presionamos dicho botón cuando tenemos una imagen en el visor, veremos sobreimpreso el número de fotograma, la fecha de toma, hora, sensibilidad, modo de exposición y medición, formato de archivo, temperatura de color, velocidad y diafragma y el histograma.
ACCESORIOS Y COMPLEMENTOS
Hay unas pocas cosas fundamentales, como son una buena bolsa, un buen trípode, una empuñadura, filtros para los objetivos, un buen kit de limpieza y un cargador de baterías. Por supuesto un buen flash, al que dedicaremos un tema completo.
Un buen fotógrafo que se precie debe tener un buen trípode. Ojo porque muchos aficionados suelen comprar trípodes para video, no para fotografía. El mejor trípode será el menos pesado y el que más peso aguante… pero ambas cuestiones son casi casi incompatibles. Dependiendo del tamaño de la cámara optaremos por un tipo de trípode u otro, no es lo mismo utilizar una cámara de formato medio, muy pesada, que una ligera réflex moderna. Hoy podemos elegir entre el clásico aluminio, el titanio, el carbono, basalto e incluso la madera. Además debemos ver la altura que necesitamos así como la utilización de bloqueos de seguridad y zapatas de montaje/desmontaje rápido con una sola palanca, aunque prácticamente todos los trípodes del mercado ofrecen dichas posibilidades.
La bolsa fotográfica es importantísima. Debéis comprar lo que se ajuste a vuestro equipo pero siempre pensando que éste crecerá. Además debe ser discreta, resistente, impermeable y ligera, que permita modularse internamente según las necesidades de cada momento.
Otro accesorio fundamental es un buen filtro de protección UV o skylight. Si bien el primero está pensado teóricamente para las fotografías en blanco y negro y el segundo para las fotografías en color, especialmente en áreas de sombras, la verdadera utilidad es la de proteger nuestro caro –o barato- objetivo del polvo, rayaduras, huellas dactilares, etc. Todos los objetivos modernos están multirrevestidos con una o más capas para evitar el velo óptico o flare. Cuantas más capas tenga el objetivo mejor. Por lo tanto el filtro debe ir en consonancia. Si tenemos un objetivo de alta calidad conviene comprar un filtro skylight multirrevestido, si tenemos un objetivo de mala calidad compraremos uno con un tratamiento monocapa.
Habréis podido comprobar la voracidad de las cámaras digitales con respecto a las baterías, especialmente cuando sois novatos… ya que os dedicáis a trastear con la cámara, manejando el zoom, el flash incorporado, visualizando las fotos, etc. Pues bien, la cámara debe configurarse para que se ponga en modo stand by como mucho a los dos minutos. Ahorraremos mucha batería. Y si trabajamos con una compacta mucho más si encuadramos con el visor y no con la pantalla LCD, que devora las baterías. Además queda más fotográfico.
Las cámaras réflex disponen de baterías mas duraderas, que suelen ser muy caras. Os recomiendo que tengáis siempre dos, la que viene con la cámara y una más suplementaria. Si además sois usuarios de una empuñadura lo ideal es que utilicéis dos baterías a la vez, que deben ser siempre de la misma marca y características.
Para las compactas conviene utilizar pilas recargables de NiMH (metal-hidruro), nunca NiCad (niquel-cadmio), ya que estas últimas tienen efecto memoria y una tendencia hacia la autodescarga muy acusada. Conviene disponer de las mayor capacidad posible, de 2400 mAh o superior. Y si importantes las pilas también lo son los cargadores. Los mejores son los que disponen de un procesador que controla la carga, autodescarga, los problemas de cada batería así como la temperatura (incluyen hasta un ventilador). Pueden cargar cuatro baterías de 2700 mAh en algo más de diez minutos.
envíado por cursosvirtuales | 3 Octubre 2007 | 7 comentarios
Volvemos con los contenidos de curso on line FOTOGRAFIA DIGITAL. SACALE PARTIDO A TU CAMARA, en esta ocasión del tema 2, confiando que ya esteis haciendo fotografias de todo lo que os rodea.
EXPOSICION
Tan importante como conseguir una buena exposición es eliminar las dominantes de color no deseadas. Así pues lo primero que tenemos que hacer es elegir la temperatura de color adecuada para la situación. Si trabajamos en un interior iluminado con una bombilla doméstica, elegiremos Tungsteno, si trabajamos en exteriores con luz solar elegiremos Luz día. Profundizaremos en el tema en el apéndice correspondiente.
El control de la exposición es prioritario para conseguir buenas imágenes. Y éste depende de tres factores: sensibilidad ISO, velocidad de obturación y diafragma.
Foto subexpuesta:
• Poco detalle en las sombras.
• Ruido especialmente visible en las zonas oscuras.
• Aspecto oscuro en general.
Foto sobre expuesta:
• Altas luces sin detalle, quemadas.
• Colores desaturados.
• Aspecto blanquecino en general.
Para controlar la situación disponemos de dos parámetros relacionados matemáticamente: velocidad y diafragma.
A priori el control de la exposición parece complicado, pero nuestras flamantes cámaras hacen prácticamente todo el trabajo:
• Programa (P): la cámara selecciona velocidad de obturación y diafragma
• Prioridad de Velocidad (Tv, S): el usuario selecciona la velocidad de obturación y la cámara el diafragma
• Prioridad de Obturación (A, Av): el usuario selecciona el diafragma y la cámara la velocidad.
• Manual (M): nosotros seleccionamos velocidad y diafragma y la cámara nos avisa de las sobre y sub exposiciones.
TIPOS DE MEDICION
Todas las cámaras disponen de un exposímetro más o menos sofisticado. Los modos de trabajo típicos son los siguientes:
• Matricial
• Medición parcial
• Puntual o spot
La pregunta del millón…
¿cuando utilizar cada uno de ellos?
En situaciones fotográficas normales el modo matricial funciona bien en casi todos los casos. Sin embargo en situaciones de contraluz es más efectivo utilizar cualquiera de los dos sistemas puntuales, que difieren exclusivamente en el ángulo de medición y en que el segundo te permite medir en varias zonas, hacerte un promedio y ver cuantos diafragmas de diferencia hay. Es algo muy útil en situaciones luminosas complicadas, como una obra de teatro, una función de circo, una pasarela iluminada con un cañón de luz… La experiencia os dirá cuando utilizar cada sistema.
SISTEMAS DE ENFOQUE
Los primeros sistemas autofocus se inventaron en los años 70, como el VAF (Visiotronic Autofocus), basándose en los sistemas de telémetro de doble imagen. En la actualidad se utilizan dos sistemas mucho más avanzados, el enfoque por rayos infrarrojos, o enfoque activo, y el enfoque por diferencia de contraste, o enfoque pasivo.
COLOR DIGITAL
Cuando definimos un color hablamos de rojo, verde, violeta, morado, etc… Pues bien, debemos desterrar esa nomenclatura totalmente inexacta. El color digital se define con números.
Cada píxel que forma la imagen tiene asignada una información de color, que viene dada en forma de bits. Cada bit o número binario tiene dos valores absolutos: 0 o 1. Así una imagen que tenga una profundidad de color (o profundidad de bits) de 1 bit por píxel podrá tener dos colores: blanco o negro. Si tiene 2 bits por píxel, podrá tener cuatro colores: blanco, negro y dos valores de gris. Matemáticamente el número de colores se obtiene con una base 2 y un exponente, que hace referencia al número de bits por píxel:
2 x
Si la imagen tuviese 4 bits por píxel el número de colores sería 2 4 = 2 x 2 x 2 x 2 = 16
La profundidad de color determina el tipo de imagen que obtenemos:
1 bit Blanco y negro 2 colores
8 bits Escala de grises 256 tonos de gris
4 bits Color 16 colores
8 bits Color 256 colores
16 bits Color 65536 colores
24 bits Color RGB (color real) 16,7 millones colores
32 bits Color CMYK 16,7 millones colores
SISTEMAS DE ALMACENAMIENTO
Desde la aparición de la primera cámara de vídeo estático en 1989, la ION de Sony, ha llovido mucho. Ésta cámara digital utilizaba exclusivamente un soporte externo de almacenamiento, una versión del disquette de alta densidad, el VF-50, que le permitía almacenar hasta 50 imágenes de muy baja resolución.
En las cámaras actuales podemos disponer de la memoria interna de la cámara (buffer), bastante limitada en general, y de memorias externas en forma de tarjetas. Este tipo de memoria no necesita alimentación y la información no se pierde cuando se desconecta. Se pueden borrar y regrabar casi ilimitadamente. La lectura se realiza en la propia cámara, en un lector de tarjetas en el ordenador o bien directamente en una impresora. Pueden exponerse por la mitad y extraer en cualquier momento sin que se pierda la información. La memoria de estas tarjetas es tipo flash.
Próximos temas 3 y 4: 17 de octubre de 2007
envíado por cursosvirtuales | 3 Octubre 2007 | 5 comentarios
PRESENTACION
Para el aficionado medio la compra de una cámara digital supone, en la mayoría de los casos, renunciar a un elevado porcentaje de sus prestaciones, en muchas ocasiones por desconocimiento previo, porque no es asesorado correctamente por el vendedor y porque después resulta un tostón enfrentarse a un terrorífico manual de instrucciones, que confunde más que aclara. Al final se acaba trabajando siempre en automático, fotografiando a diestro y siniestro, con unos resultados más que discutibles, pero satisfactorios por su inmediatez.
Lo que pretendemos con este curso es evitar todos esos problemas, que saquéis todo el partido a vuestra cámara digital con una buena base técnica y también que os divirtáis, dando rienda suelta a vuestra creatividad. Para ello será inevitable recurrir a unos conocimientos teóricos, imprescindibles especialmente en las primeras sesiones, que complementen la práctica fotográfica como tal. En otras palabras, que no queda más remedio que ver un poco de teoría…
Comencemos con este tema para todos los usuarios de www.jazztelia.com
CONCEPTOS BÁSICOS DE FOTOGRAFÍA
¿Qué es una cámara fotográfica? Simplemente una cámara oscura, con un orificio por donde pasan los rayos luminosos y un soporte fotosensible que capta esa luz.
Si colocamos delante del orificio una lente, se captarán mas rayos de luz y la imagen será más nítida. Y si además colocamos una tapa delante del orificio, podremos controlar el tiempo que pasa la luz. Con una simple caja de zapatos os podéis construir una cámara estenopéica o pinhole que funciona según estos principios.
Vuestra cámara digital es básicamente igual que un estenope, con la diferencia de que no utiliza película, sino un captador electrónico, CMOS.
¿Cómo se captura y almacena?.Para ello nuestras cámaras disponen de sensores tipo CCDs o CMOS. Estos dispositivos realizan las siguientes funciones:
• transfieren la señal luminosa a un convertidor analógico-digital,
• procesan dicha señal,
• comprimen la misma
• graban la información en una tarjeta o en la memoria interna de la cámara.
Un CCD ("charge coupled device", o dispositivo de carga acoplada) se compone de miles de fotocélulas de silicio. Cuando la luz (fotones) incide en dichas fotocélulas es convertida en electricidad de manera proporcional a la cantidad de luz.
LA RESOLUCION EN LAS CAMARAS
La resolución de una cámara digital viene dada por las dimensiones en píxeles horizontales y verticales de su sensor. Una cámara compacta puede tener una resolución de 6 megapíxeles (en adelante Mp), lo que supone 6 millones de píxeles, en una configuración de 3032 x 2016 píxeles.
TIPOS DE OBJETIVOS
Los objetivos se clasifican en función de su longitud focal, distinguiéndose los siguientes tipos básicos:
Angulares
Normales
Teleobjetivos
Esta clasificación depende del formato de película que vayamos a cubrir. Así, para el paso universal (24 x 36), el objetivo normal es un 50 mm.
TIPOS DE CÁMARAS DIGITALES: CONFIGURACION Y DISEÑO
Podemos distinguir dos tipos de cámaras digitales: compactas y réflex.
CAMARAS COMPACTAS
Hablamos de cámaras de pequeño tamaño, muy prácticas por su pequeño tamaño y peso y sus elevadas prestaciones.
Suelen disponer de los siguientes elementos:
Sensores CMOS de pequeño tamaño.
Objetivos zoom (de 35 a 105 mm o incluso mayores).
Visores con error de paralaje (lo que se ve no es lo que capta el sensor)
Pantalla LCD en color de hasta 2,5” (6,35 cm).
Funcionamiento enteramente automático.
Enfoque automático.
Flash incorporado.
Sensibilidades hasta 1600 ISO.
Formato de archivo JPEG.
Video en formato VGA.
CAMARAS REFLEX
En las cámaras réflex la imagen que vemos a través del visor es exactamente igual que la que registrará el sensor. Para ello simplemente se utiliza un sistema de espejos que permite dicha operación, si bien en la actualidad hay cámaras que utilizan un falso visor réflex electrónico, las EFV (“electronic view finder”).
Hay dos tipos de cámaras réflex, las DSLR (“digital-single lens reflex”) de un solo objetivo y las EFV, falsas réflex ya que el visor al nivel del ojo es electrónico.
Las principales características de las DSLR (“digital-single lens reflex”) son las siguientes:
Sensores CCD o CMOS en formato APS-C o formato universal.
Objetivos intercambiables.
Visor directo con un tamaño de imagen de hasta casi el 100% según modelos.
Pantalla LCD en color de hasta 2,5” (6,35 cm)
Funcionamiento manual, en prioridad de velocidad, obturación, programa, Bulb.
Sistema de medición puntual y matricial.
Enfoque automático y manual asistido.
Flash incorporado y zapata auxiliar para flash.
Sensibilidades hasta 1600 ISO.
Formato de archivo RAW nativo según marcas y JPEG.
Esperamos que este tema os anime a leer nuestros próximos contenidos del tema 2.
envíado por cursosvirtuales | 1 Octubre 2007 | 27 comentarios
Arranca el primer curso on line de FOTOGRAFIA DIGITAL. SACALE PARTIDO A TU CAMARA, con una duración de 50 horas y organizado por www.jazztelia.com con la colaboración del IES Puerta Bonita.
TEMARIO
Se publicarán los temas en las fechas previstas:
Tutoría 1: INICIO CURSO VIRTUAL. TEMAS 1 y 2 - FECHA: 3 de octubre 2007
Presentación y análisis del temario de curso. Calendario. DOCUMENTACIÓN TEMAS 1 y 2: Fotografía y Tecnología Digital; Manejo de Cámara Digital I.
Tutoría 2: TEMAS 3 y 4 - FECHA: 17 de octubre 2007
Repaso y preguntas sobre tema 1 y 2. DOCUMENTACIÓN TEMAS 3 y 4: Manejo de Cámara Digital II; Iluminación: Interior / Exterior
Tutoría 3: TEMAS 5 y 6 - FECHA: 31 de octubre 2007
Repaso y preguntas sobre tema 3 y 4. DOCUMENTACIÓN TEMAS 5 Y 6: Composición y Encuadre;Técnicas de Retrato
Tutoría 4: TEMAS 7 y 8 - FECHA: 14 de noviembre 2007
Repaso y preguntas sobre temas 5 y 6. DOCUMENTACIÓN TEMAS 7 y 8: Técnicas de Reportaje; Técnicas de Fotografía Creativa
Tutoría 5: TEMAS 9 y 10 - FECHA: 28 de noviembre 2007
Repaso y preguntas sobre sesión temas 7 y 8. DOCUMENTACIÓN TEMAS 9 y 10: Dispositivos de salida; Tratamiento y archivo.
Tutoría 6: REPASO Y DUDAS - FECHA: 12 de diciembre 2007
Repaso y preguntas GENERAL. Preparación de fotografías, ejercicios y prueba final.
Recordatorio de fechas de exámenes y entrega de ejercicios. (19 de diciembre de 2007)
envíado por cursosvirtuales | 28 Septiembre 2007 | 24 comentarios
El curso on line FOTOGRAFIA DIGITAL.SACALE PARTIDO A TU CAMARA ya tiene a los 20 seleccionados para recibir los contenidos, consejos, trucos, sugerencias y recomendaciones para que obtengan unas mejores fotografías, unos mejores recuerdos. Estas personas han sido admitidas tras realizar un sorteo entre las 136 solicitudes de matrícula recibidas.
Desde la organización de este curso on line queremos agradecer la buena acogida recibida, recordando que aquellos que quieran seguir la dinámica del curso pueden seguir consultado la pagina www.jazztelia.com con el fin de tener algunos contenidos y ver las fotografías que se vayan publicando.
Los 20 seleccionados tendrán un seguimiento personalizado por parte de los profesores del curso on line, documentación específica y la posibilidad de recibir dos becas gratuitas en los talleres de COMUNICARTE 2008 y participar en la exposición colectiva FOTOGRAFIA DIGITAL.SACALE PARTIDO A TU CAMARA dentro de las Jornadas de Arte, Comunicación y Nuevas Tecnologías, COMUNICARTE 2008 (del 11 al 20 de junio de 2008) organizadas por el IES Puerta Bonita.
PROXIMOS PASOS
El próximo 3 de octubre se inicia el curso donde se van a publicar y entregar los contenidos de las primeras dos sesiones:
Sesión 1: FOTOGRAFÍA Y TECNOLOGIA DIGITAL
Sesión 2: MANEJO DE CAMARA DIGITAL (I)
CURSO ON LINE FOTOGRAFIA DIGITAL.SACALE PARTIDO A TU CAMARA
• Atención al alumno/a:
imagenbasico-formaciononline@iespuertabonita.com
Organizado por JAZZTEL (web http://www.jazztelia.com) y el Centro de Formación Profesional IES Puerta Bonita (web http://www.iespuertabonita.com)
