Desde siempre, en Suecia se ha cultivado con especial cariño el pop en sus diferentes formas. Partamos de que es el país del que vinieron Abba, el grupo de pop más grande de la historia (por temas económicos y aspectos artísticos, claro está) y entenderemos el idilio entre el género y los músicos de esas latitudes. En la actualidad, la escena sueca es un bonito vergel de propuestas para todos los gustos y colores, que va desde el techno-pop de Familjen hasta el toque retro y elegantón de Jens Lenkman, pasando por la delicadeza de El Perro del Mar. En este panorama, el sello Labrador actúa como un importante elemento articulador, casa de grupos como Club 8, Acid House Kings, The Mary Onettes. Pelle Carlberg o The Legends. Como todos los años, la discográfica de Estocolmo repasa el pasado reciente y adelanta algunos lanzamientos por venir con un disco recopilatorio. Como en la edición del pasado año, el compilado es de libre descarga y se puede conseguir aquí. De entre todo lo que incluye, a los recién llegados a la música de la casa que dirige Johan Angergard les recomiendo que echen un ojo a las canciones de Sambassadeur, The Radio Dept., que pronto sacarán un nuevo álbum, y a los olvidados Chasing Dorotea.

Internet es una gran fuente de información, pero además nos acerca a algo parecido a vivir experiencias, que, si no fuese porque las vemos a través de la pantalla del ordenador, difícilmente podríamos disfrutar. Por ejemplo, este sábado dos de los artistas más importantes de Islandia, Björk y Sigur Ros, tocan en un parque cerca de Reikiavik dentro de un evento que se llama Náttúra Fest. No hay tiempo de organizar un viaje, coger un vuelo y plantarse allí, pero a través de esta web podremos ver un show previo exclusivo antes de las salida a escena de los grupos.

El evento es un acto benéfico organizado en la colaboración de National Geographic, con el que se quiere concienciar sobre las graves consecuencias de la explotación indiscriminada de los recursos naturales y de la falta de respeto por el medio. Hemos vivido otros saraos parecidos en los que los músicos muestran sus conciencia con este tipo de temas, pero creo que las consecuencias evidentes del cambio climático hacen que ahora debamos tener más sensibilidad hacia este tipo de temas que en el pasado.

Pero este no es el único ejemplo de concierto en lugar recóndito que podemos seguir a través de la red. Hace unos días la web de AT&T Blue Room retransmitió en directo varios conciertos del festival norteamericano Bonnaroo. Mientras, aquí RTVE pretende acercarnos al Rock In Rio con retransmisiones tan pobre como las de ayer.

Kanye West es una de las figuras más importantes del hip hop actual. Este músico y productor de Chicago, curtido como mano derecha del todopoderoso Jay-Z, ha conseguido con sus tres discos despertar el interés por el género del público del pop. Además, su conciencia política y sus quejas contra la administración Bush o las llamadas de atención sobre la situación en África le han labrado un respeto más allá de la música. Aunque su último disco es el menos excitante de su fulgurante carrera, todavía tiene muchas cosas que decir. Ahora anda embarcado en un tour por Estados Unidos con un formato peculiar, que algunos ven como algo revolucionario y otros interpretan como un timo.

West sale a escena sólo, sin músicos, con una pantalla de leds que proyecta imágenes con una calidad alucinante. El diseño de las visuales y de la iluminación es impactante, pero lo curioso es que todo el peso de la actuación recae sobre él, que no deja de moverse, bailar y cantar. Honestamente, visto en la pantalla del ordenador no es muy impactante. Incluso parece ridículo. Pero ya hay quien defiende que esto es la música en directo del Siglo XXI. Habrá que verlo con nuestros propios ojos. West tiene fechas por Estados Unidos hasta octubre. Con un poco de suerte en otoño lo tenemos en Europa.

El afán de los mitómanos por poseer algo que perteneció a su ídolo llega a veces a lo absurdo. Hoy leo en una noticia que publica la web Efe Eme que se va a subastar la primera guitarra que quemó Jimy Hendrix en un escenario. El instrumento en cuestión acabó chamuscado después de un concierto en los cines Astoria de Londres, en marzo de 1967. Aunque este dato es poco relevante dado su estado, el modelo es un Stratocaster de Fender. No le veo mucho sentido como fetiche a poseer esta guitarra: ni se puede tocar, ni luce en el salón. Lo curioso es que los organizadores de la subasta han calculado que llegará a un valor de 190000 euros.

Tengo que confesar que cada vez que leo algo sobre subastas de cosas relacionadas con el rock, me acuerdo de que yo tengo la manga de una camiseta de Morrissey. En mi caso no luce en un lugar privilegiado, sino que está metida en un armario esperando por algún amigo fan que se la merezca. Para endulzar el presente, debo confesar que me hice con ella en el concierto del AV Festival de Fuengirola, su primera actuación como solista en España. Han pasado ya unos cuantos años y por una razón u otra al final nadie me insiste mucho para que se la dé. A lo mejor me acaba sacando de pobre y consigo un jugoso dinero extra subastándola. Lo único malo es que Mozzer tiene la curiosa manía de sacar pecho en escena y lanzar la prenda al público. Con lo cual el mundo de las subastas debe estar lleno de prendas del que fuera líder de los Smiths.

Cada poco tiempo, el desarrollo tecnológico escupe algún invento que durante unos años es elemento omnipresente entre los músicos más familiarizados con los instrumentos electrónicos. Fue el caso de los primeros samplers de directo, en tamaño mini y con las mismas posibilidades de los armatrostes de estudio, y ahora de los pedales sampler, que tantos y tantos cantautores utilizan.

Pero el futuro es del Tenori-On, un aparato diseñado por el artista multimedia Toshio Iwai y fabricado por Yamaha. Consiste en una matriz con teclas y leds que convierte la interpretación de una canción también en algo visual. Un paso hacia la música cinemática. Este instrumento tiene diferentes niveles y utilidades, pero la mejor manera de entender cómo funciona es echar un vistazo al canal que sus fabricantes han creado en YouTube.

Allí puedes ver como trastean con el Tenori-On Four Tet, Jim O'Rourke, John Herndon (Tortoise, Isotope 217, Exploding Star Orchestra), Robert Lippok (Tarwater, To Rococo Rot) y los miembros de Mouse On Mars o Battles.

Hay grupos que son objeto de adoración y continuas referencias por parte de la prensa, pero con los que luego el público no conecta especialmente. Tengo la sensación de que con My Bloody Valentine sucede un poco eso. Cuando se anunció su gira de regreso, casi quince años después, en mi entorno hubo muchos comentarios positivos al respecto, pero poca pasión en ellos. Y no creo que fuese tanto por las dudas sobre su estado de forma como porque es un grupo que no suele sonar en los reproductores de los aficionados a la música. Lo sospecho porque cuando se habla de My Bloody Valentine en demasiadas ocasiones son protagonistas los detalles técnicos o de la complejidad del sonido de su gran disco, “Loveless” (1991). La anécdota por delante del poder de evocación de sus canciones, a pesar de que marcaron un antes y un después con esa mezcla explosiva de melodías delicadas con tormentas de guitarras. Cada vez queda menos para su actuación en el Fib-Heineken 2008 y en el Saturday Night Fiber. En la red ya hay una buena cantidad de videos de sus conciertos en Inglaterra. El grupo suena potente. No sé si conseguirá revitalizar su gran legado con esta gira, pero a mí esas grabaciones en baja calidad, movidas y con el sonido saturado de “Only Shallow” a todo trapo me motivan mucho. Me apetece verlos.

Echando un vistazo a los fenómenos musicales de última hornada queda claro que lo retro está de moda. Lo demuestra la rápida y masiva aceptación del revival soul, capitaneado por Amy Winehouse, confirmado posteriormente por la galesa Duffy, o el interés por recuperar a figuras perdidas del género como Sharon Jones. Es lo de siempre, echarse hacia atrás para coger impulso.

El último en desempolvar sus viejos discos para buscar ideas es Norman Cook, el músico británico que durante años ha hecho bailar a medio mundo con su alter ego Fatboy Slim. Cook, acostumbrado a eso de las reinvenciones desde finales de los ochenta, ahora ha puesto en marcha un nuevo proyecto que ha bautizado como The BPA (The Brighton Port Authority). El próximo mes de julio edita disco bajo este nombre, en el que cuenta con una interesante nómina de colaboradores: Martha Wainwright, Iggy Pop, David Byrne o Dizzee Rascall. Su primer single se titula “Toe Jam” y tiene un video de lo más divertido en el que hace una hilarante parodia del mundo de la censura.

Aunque a uno lo que más le gusta es la música, cada vez nos toca invertir un mayor porcentaje de tiempo en sus aledaños, en la parte empresarial que la rodea; los formatos, los cambios de hábitos de consumo o la proliferación de festivales y la competencia entre los promotores. A este último tema dedica su portada el número de junio de la revista Rockdelux. En un interesante artículo, entrevistan a las cabezas pensantes (y visibles) de los cuatro festivales más importantes de España –Primavera Sound, Sónar, FIB y Summercase-. Un mismo cuestionario, diferentes visiones.

Como era de esperar, los responsables de Summercase, Manuel Cadahia y Paloma Cordón, mantienen una actitud a la defensiva, con un discurso poco lúcido, hablando más de lo que dicen los demás sobre ellos que de su proyecto. No pongo en duda el valor de su papel como Sinnamon Records, pero su ambiciosa estrategia como promotora resulta un tanto rara vista desde fuera como consumidor y periodista.

Por otro lado, Jose Morán, del FIB, es especialmente incisivo con la escena y el público español. Un discurso que cuesta encajar cuando durante mucho tiempo fue el público local e que sostuvo su evento, aunque pueda coincidir con él en que aquí no tenemos la misma cultura musical que en otras partes del mundo. Además reparte una buena cantidad de críticas a Sinnamon, claro.

Ricard Robles de Sónar y Gabi Ruiz de Primavera Sound, como sus respectivos festivales, van aparte. Aunque se reconocen afectados por la estrategia de Sinnamon, que ha llevado a la subida de los cachés de los grupos y a dificultades para elaborar el cartel, también hacen hinapié en la gran cantidad de dinero público que se maneja en el mercado de la música en directo. Algo que a lo mejor estaría mejor invertido si se utilizase para crear infraestructuras.

El artículo no tiene desperdicio. En unos días se publica el número de julio agosto de la revista, con el la segunda parte, donde se entrevista a los responsables de Tanned Tin o South Pop, entre otros.

Primal Scream tienen la extraña capacidad de ser capaces de lo mejor y de lo peor. Cuando sus discos no tienen pegada, son tremendamente aburridos. Pero en cambio cuando le insuflan una buena dosis de inspiración, construyen álbumes que oxigenan el rock con sus homenajes a los grandes clásicos mezclados con ideas que los conectan con la música electrónica. Parece que la cultura rockera de Bobby Gillespie, su líder, tiende a jugarla tantas malas pasadas como a aportarle las buenas ideas que le han llevado a componer discos tan brillantes como el “XTRMNTR” (2000). Su nuevo trabajo, titulado “Beatiful Future”, cuya edición está prevista para el mes de julio, tiene ya un primer single, “Can’t Go Back”. La canción no motiva demasiado, todo hay que decirlo. En cambio, el grupo ha colgado una versión de Hawkind, la mítica banda inglesa en la que militó Lemmy Kilmister, que contiene todo lo que esperamos encontrar en un tema de Primal Scream: Gillespie interpretando con sensualidad y fuerza, sonido incendiario y un buen estribillo. Lástima que no sea todo mérito suyo. Habrá que esperar al lanzamiento del álbum para medir su estado de forma.

Parece que 2008 es el año de la fuga de vocalistas. Primero fue Amaia Montero, que dejó La Oreja de Van Gogh para lanzarse como solista, y luego conocimos la marcha de Sole Giménez de Presuntos Implicados. Teniendo en cuenta lo difícil que es mantener el equilibrio, las buenas relaciones y el mismo nivel de motivación en una banda, es hasta normal que sucedan estos cambios. Porque en los grupos que se mueven a estos niveles, la máquina empresarial que llevan a sus espaldas pesa y tensa muchos aspectos de la convivencia. Sin embargo, no deja de llamar la atención que coincidan en el mismo año ambas noticias. Para colmo, aunque con otras responsabilidades, la semana pasada nos enteramos de que el batería de El Canto del Loco tampoco sigue en el grupo.

La Oreja de Van Gogh ya tiene nueva vocalista desde hace unas semanas, aunque hasta el momento sólo se ha pronunciado la seleccionada, Leire Martínez, exconcursante del programa Factor X. Mientras que Presuntos Implicados han anunciado esta semana que la sustituta de Jiménez es Lydia, artista madrileña que representó a España en Eurovisión en 1999 y que ha editado varios discos en solitario. En los últimos años la artista madrileña se había dedicado al mundo de los musicales y planeaba sacar un nuevo disco, aunque supongo que ese proyecto queda aparcado hasta después de la publicación del nuevo disco de Presuntos implicados, el próximo mes de agosto.

Los rumores no iban mal encaminados. Al final la cantante de La Oreja de Van Gogh es Leire Martínez, ex-concursante del programa televisivo Factor X. La noticia todavía no ha sido confirmada por el grupo, pero sí aparece en la web de la hasta ahora solista.

La Oreja De Van Gogh tiene previsto publicar su nuevo álbum en septiembre, aunque no se conocen muchos más datos. Antes, el 24 de junio, publican un recopilatorio de grandes éxitos, epílogo de la etapa de diez años con Amaia Montero como voz. El disco contendrá 16 canciones y aparecerá en dos formatos, cd y cd con dvd.

Por otro lado, Amaia Montero también está trabajando en su primer disco en solitario. En estos momentos está en pleno proceso de maquetación de temas, que luego grabará en Italia este verano. Montero comentó en una reciente entrevista que está muy entusiasmada y que se está implicando al máximo en todas las partes del trabajo.

El disco se retrasa, pero Extremoduro están en plena forma, con ideas, ganas de tocar y arrastrando a más público que nunca a sus actuaciones. Ayer presentaron en una rueda de prensa en Madrid su gira. Miguel, Uoho y Robe atendieron amablemente a todas las preguntas. Incluso algunas fuera de guión sobre una posible reunión de Platero y Tú, el proyecto por el que conocimos a Uoho, o con respecto a la relación de Robe con las autoridades políticas extremeñas.

Robe, con su franqueza y lucidez, contó que lo del nuevo álbum, “La Ley Innata”, está siendo complicado por el formato: una sola canción dividida en cuatro partes. “Cada vez que cambiamos algo hay que volver a verlo todo. Esa es la razón del retraso”. No son un grupo que de marcha atrás cuando comienza algo, por eso no se han planteado ponerse a hacer un disco más sencillo. También comentó que sigue trabajando en su libro, del que ya habló en una entrevista a Rolling Stone en 2004, y valoró el trabajo de Muxik, el sello discográfico que puso en marcha el año pasado.

El tour lleva dos fechas: Santander y Salamanca. Lugo y Ourense se suspendieron por una lesión de Jose Ignacio, el batería, pero los conciertos se han trasladado a julio. La próxima parada del tour es el sábado en Getafe, en un recinto para 35000 personas en el que ya cuelga el cartel de no hay entradas.