envíado por off-hollywood | 1 Agosto 2007 | 1 comentario
Semana de luto para el cine, y más concretamente para el europeo. Poco después de conocer la pérdida de Ingmar Bergman, nos llegaba la noticia de la muerte de otro veterano cineasta del Viejo Continente, el italiano Michelangelo Antonioni, a la que lamentablemente cabe añadir aún un tercer fallecimiento, el del reputado actor francés Michel Serrault ("Vicios pequeños [La jaula de las locas]", "Nelly y el Señor Arnaud", "La alegría está en el campo", "No va más", "La fortuna de vivir", "Feliz Navidad"...). El realizador que logró su mayor éxito internacional en 1966 con "Blow-up", la película basada en un cuento del argentino Julio Cortázar que le valió la Palma de Oro en Cannes y una doble nominación al Oscar© por su realización y guión, nos dejaba este lunes en Roma a los 94 años.
Hijo de una familia burguesa, pintor y crítico antes de iniciar sus estudios de cine, Antonioni habló sobre el vacío existencial, el amor, la incomunicación o el deseo en títulos como "Cronaca di un amore", "La signora senza camelie" y "Las amigas", pertenecientes a su primera etapa, además de la trilogía compuesta por "La aventura", "La noche" y "El eclipse", protagonizada por su musa Monica Vitti y con la que cosechó un Oso de Oro en Berlín y dos Premios del Jurado en Cannes. Entre sus obras más destacadas también se encuentran "Identificación de una mujer" (Premio 35º Aniversario en Cannes), "El grito", "El desierto rojo" (León de Oro y Premio FIPRESCI en Venecia), "Zabriskie Point" (una de sus pocas incursiones en inglés) o "El reportero". Debido a un ataque cerebral que lo dejó medio paralizado en 1985, Antonioni no pudo continuar dirigiendo largometrajes en solitario, por lo que a partir de entonces se dedicó al campo del corto, contó con el apoyo técnico de gente como Wim Wenders (en "Más allá de las nubes") o colaboró en films colectivos, caso de la aún reciente "Eros", donde participó junto a Wong Kar-Wai y Steven Soderbergh, siendo éste su último trabajo. En 1995 la Academia americana le entregaba una estatuilla honorífica por su aportación al cine.
En la imagen: Fotograma de "Vicios pequeños (La jaula de las locas)" - Copyright © 1978 Da Ma Produzione y Les Productions Artistes Associés. Todos los derechos reservados. Fotograma de "Blow-up" - Copyright © 1966 Bridge Films. Todos los derechos reservados.
envíado por off-hollywood | 31 Julio 2007 | sin comentarios
Aunque tarde o temprano tenía que ocurrir, dada su avanzada edad, qué duda cabe de que la noticia de la muerte de Ingmar Bergman ha cogido por sorpresa al mundo del cine. El legendario cineasta sueco nos dejaba ayer a los 89 años en la isla de Faarö, en el Mar Báltico, donde vivía recluido desde que perdió a su última esposa en 1995. Fuertemente marcado durante su infancia por la estricta y austera educación que le impuso su padre, un pastor protestante, gran amante del teatro del noruego Ibsen y de su compatriota Strindberg, y con una intensa vida sentimental a sus espaldas (se casó cinco veces y tuvo nueve hijos, tanto dentro como fuera de sus matrimonios), Bergman cosechó un cine de naturaleza existencialista e introspectiva que presentaba una concepción trágica de la vida, donde exploraba temas como las relaciones de pareja, la muerte, la condición del artista o la represión sexual, siendo reconocido por su capacidad para el retrato psicológico y la reflexión, pero también para las construcciones poéticas de fuerte carga simbólica y gran poder visual.
Sus cinco décadas de carrera como director, guionista y productor le reportaron cuantiosos premios de los más destacados festivales y asociaciones, así como tres Oscar© a la Mejor Película Extranjera, dejándonos como legado una cuarentena de títulos, entre los que figuran "El séptimo sello" (la cinta que lo dio a conocer internacionalmente), "Fresas salvajes", "Persona", "El manantial de la doncella", "Como un espejo", "Gritos y susurros", "Secretos de un matrimonio", "Sonata de otoño" y "Fanny y Alexander". A su obra para la gran pantalla cabe sumar la dirección de varias piezas de teatro, su primera pasión, y producciones para televisión y radio. Su último largometraje estrenado en España fue "Saraband", de 2003, donde retomaba tres décadas más tarde la historia que protagonizaron Liv Ullmann y Erland Josephson, dos de sus actores más apreciados. La filmografía de Bergman ha influenciado a otros autores como Woody Allen, quien se enteraba del triste suceso cuando ya se encuentra en Oviedo (Asturias) para proseguir el rodaje de la película que reúne a Javier Bardem, Scarlett Johansson y Penélope Cruz, tras su paso por Barcelona.
En la imagen: Fotogramas de "El séptimo sello" - Copyright © 1957 Svensk Filmindustri. Todos los derechos reservados; "Fanny y Alexander" - Copyright © 1982 Cinematograph AB, Société des Etablissements L. Gaumont, Svenska Filminstitutet, Personafilm, SVT Drama, Tobis Filmkunst. Todos los derechos reservados.
envíado por off-hollywood | 19 Febrero 2007 | 1 comentario
Ya habíamos hablado de algunos de los aspectos más anecdóticos que rodearon el rodaje de "El guateque", la genial comedia clásica de Blake Edwards. Sin embargo, dejábamos para el final uno de los más curiosos y tal vez, paradójicamente, más desconocidos. Debido a su carácter improvisado, “El guateque” era una película que exigía una gran precisión a la hora de encadenar y coordinar los diferentes números y secuencias. Así pues, Edwards solicitó a su equipo algún tipo de aparato con el que poder ver aquellas escenas que acababan de rodar al instante a través de una pantalla, pero sin necesidad de esperar para ello a que la película se llevara a revelar al laboratorio. Sobra decir que por aquel entonces no existía ningún sistema de monitorización de vídeo similar para el cine. En un principio, se las ingeniaron para acoplar una cámara de vídeo en el lateral de la cámara Panavision con la que filmaban. No obstante, el hecho de que ambos campos de visión no coincidieran por completo les condujo mucho más lejos. De este modo, Edwards y sus colaboradores crearon y patentaron la Video West Panavision, una cámara de cine que llevaba incrustada una videocámara dentro de su carcasa, estando ésta, a su vez, conectada a un monitor en el que se reproducían las escenas recién filmadas.
El invento supuso una auténtica revolución a todos los niveles. No sólo transformó la forma de entender la interpretación, puesto que a partir de entonces los actores podían comprobar los resultados de su ejecución al momento, sino también, y sobre todo, significó un hito en el plano más técnico. Si bien no faltaron las habituales reticencias iniciales, muy pronto la Video West Panavision llamó la atención de bastantes directores de la época, caso de un por entonces joven Francis Ford Coppola. No fueron pocos los realizadores que requirieron los servicios del aparato, y algunos llegaron incluso a paralizar los rodajes en los que estaban embarcados hasta que pudieron disponer de la nueva cámara. Llegado el momento en que Edwards no pudo seguir haciéndose cargo de todos los gastos que conllevaba la empresa, cedió el invento a Panavision. Muchos años más tarde, en 1993, la Academia americana premiaría a uno de sus creadores, Jim Songer, por su contribución al desarrollo técnico de la asistencia de vídeo.
En la imagen: Fotograma de "El guateque" - Copyright 1968 © The Mirisch Corporation. Todos los derechos reservados.
envíado por off-hollywood | 16 Febrero 2007 | 1 comentario
Para "El guateque", cuyo rodaje duró doce semanas, Blake Edwards volvió a su repetir con su habitual equipo de colaboradores en la saga protagonizada por el inspector Clouseau. Inicialmente, habían pensado en filmar toda la película en una casa real sin recurrir a decorados. Sin embargo, la necesidad de contar con un sistema de piscinas con agua para desarrollar algunos de sus gags, lo hacía bastante inviable. Así que, finalmente, se decantaron por construir un plató dentro del estudio de la Metro Goldwyn Mayer. Hablando de la piscina, para producir la creciente masa de espuma que acaba invadiendo la lujosa mansión en las secuencias finales de la cinta, solicitaron la ayuda del departamento de rescate del Aeropuerto de LAX. Los actores sufrieron serias dificultades debido a la ausencia de visibilidad pero, especialmente, a la escasez de oxígeno que ésta les ocasionaba.
La causante indirecta de dicha fiesta de espuma improvisada en la ficción es una cría de elefante que aparece con el cuerpo pintado hacia el final de la cinta. A pesar de su pequeño tamaño, el animal generaba una importante cantidad de excrementos a lo largo del día. Por ello, tenía a un solo hombre a su entera disposición que se ocupaba de manera exclusiva de recogerlos. Cada vez que los limpiaba, la banda de música presente durante todo el rodaje tocaba el tema “There’s no business like show business” a modo de broma. Siguiendo con la música, las canciones “The party” y “Nothing to lose”, esta última interpretada por la francesa Claudine Longet, fueron compuestas por Henry Mancini, estrecho colaborador de Edwards, y Don Black, quien les puso letra. Además, durante una de las escenas protagonizadas por Peter Sellers se escucha de fondo la pieza “It had better be tonight”, escrita originalmente por Mancini cinco años antes para “La Pantera Rosa”.
En la imagen: Fotograma de "El guateque" - Copyright 1968 © The Mirisch Corporation. Todos los derechos reservados.
envíado por off-hollywood | 15 Febrero 2007 | 1 comentario
El guión original de "El guateque", coescrito por el propio Blake Edwards, su director, junto a Tom y Frank Waldman, constaba tan sólo de 63 páginas. Esto se explica, en parte, debido a los abundantes gags visuales y al humor físico, tipo slapstick, que colmaban la cinta, pero, sobre todo, a causa de su carácter improvisado, dado que la mayoría de números surgieron durante el mismo rodaje. Además de tratarse de un declarado tributo a la comedia muda, de la que Edwards era un gran admirador desde su infancia, en "El guateque" se pueden encontrar otros homenajes deliberados a varias películas, caso del largometraje de George Stevens "Gunga Din", que es parodiado en las escenas iniciales y por el que Edwards sentía un cariño especial, o del cine del francés Jacques Tati, especialmente de "Play time" y "Mi tío", del que recibe influencias tanto en la puesta en escena y en la concepción sonora como en algunos gags en concreto. Asimismo, el Morgan de tres ruedas que conduce Hrundi V. Bakshi, el indio protagonista interpretado por Peter Sellers, recuerda al vehículo usado por Monsieur Hulot en "Las vacaciones del Señor Hulot", también de Tati.
"El guateque" fue la única colaboración entre Blake Edwards y Sellers al margen de la saga de La Pantera Rosa, donde encarnaba al famoso Inspector Clouseau. El actor inglés creó el personaje patoso pero bienintencionado de Hrundi V. Bakshi expresamente para esta película, aunque mantenía cierto parecido con otro personaje de origen hindú que había interpretado en 1960 para "La millonaria" junto a Sophia Loren, el Dr. Ahmed el Kabir. Una de sus frases más populares, "Birdie nam nam" (Ñam ñam del lorito o del pajarito, según las versiones), fruto también de la improvisación, fue adoptada como nombre comercial por varios productos, como un grupo de música electrónica y una marca de helados, ambos franceses. Más recientemente, Johnny Depp decidió utilizarla de forma improvisada en "Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra" para su personaje de Jack Sparrow. Sparrow también pronunciaba otra de las frases más conocidas del film, "Howdy partiner". Por su parte, el actor Danny Miller, quien daba vida al atlético cowboy mediático ‘Wyoming Bill’ Kelson, había hecho anteriormente de Tarzán en "Tarzán de los monos", de Joseph M. Newman. Continuará...
En la imagen: Fotograma de "El guateque" - Copyright 1968 © The Mirisch Corporation. Todos los derechos reservados.
envíado por off-hollywood | 12 Enero 2007 | 1 comentario
Este pasado miércoles fallecía a los 94 años el productor italiano Carlo Ponti, una de las figuras más relevantes de la cinematografía de su país durante las últimas seis décadas y, por extensión, del cine internacional, al que dio grandes títulos. Con más de 150 trabajos en su haber, a él le debemos películas tan ampliamente reconocidas como “La strada” de Federico Fellini, “Doctor Zhivago” de David Lean, “Guerra y paz” de King Vidor, “Matrimonio a la italiana” de Vittorio De Sica o “Blow up” de Michelangelo Antonioni. Su importancia sería equiparable a la de su compatriota Dino De Laurentiis, con quien no por casualidad estuvo asociado durante un tiempo. Ponti también era conocido por ser el esposo de la actriz Sofia Loren, a cuyo éxito internacional contribuyó en gran medida, conduciéndola al Oscar© en 1961 por su actuación en “Dos mujeres”.
Por otro lado, el lunes nos dejaba a los 84 años la actriz de origen canadiense Yvonne De Carlo, quien se hizo popular por encarnar a Lily Monster en la mítica serie de televisión de los años 60 “La familia Monster”. Dentro del cine, De Carlo será recordada sobre todo por haber interpretado a la esposa de Moisés (Charlton Heston) en el titánico drama bíblico de Cecil B. de Mille “Los diez mandamientos”, así como por su intervención en el film noir "El abrazo de la muerte" de Robert Siodmak al lado de Burt Lancaster. Yvonne De Carlo había debutado en la gran pantalla a principios de la década de los 40, pero sus primeras apariciones en más de una veintena de títulos fueron, en su mayoría, en pequeños papeles no acreditados, hasta que finalmente le llegó la fama en 1945 al protagonizar el western “Salomé, la embrujadora”. Aunque participó en más de 120 títulos dentro del cine y de la pequeña pantalla, a menudo lo hizo en producciones modestas donde el atractivo de su exótica belleza superaba al de su talento, y, pasado su mayor momento de gloria durante los 50, acabó refugiándose en el cine de terror de Serie B y en la televisión. Una de sus últimas apariciones más destacadas fue junto a Sylvester Stallone en la comedia de John Landis de 1991 “Oscar, quita las manos”.
En la imagen: Yvonne De Carlo como Lily Monster en "La familia Monster" - Copyright © 1964 Kayro-Vue Productions. Todos los derechos reservados.
envíado por off-hollywood | 13 Noviembre 2006 | sin comentarios
Este pasado viernes fallecía a los 87 años el actor Jack Palance, uno de los malos oficiales más apreciados de la gran pantalla y también una de las últimas leyendas vivas del Hollywood Dorado. Hijo de un minero de origen ucraniano, Palance debutó en el cine en 1950 de la mano de Elia Kazan con “Pánico en las calles”, y durante varias décadas su imponente y perversa presencia quedaría asociada indisolublemente al western, aunque también participó en unas cuantas muestras de cine negro y drama histórico, dejándose ver incluso, mucho más adelante, dentro del fantástico o la comedia. Condicionado por un singular físico, herencia de su etapa como boxeador, Palance casi siempre encarnó papeles de villano con un carisma memorable.
Dentro de su extensa trayectoria sobresalen sus interpretaciones en “Sudden fear” y “Raíces profundas”, por las que se hizo merecedor de sendas nominaciones al Oscar©, a las que se sumarían otros trabajos destacados como “Hoguera de odios”, “Perseguida”, “El cáliz de plata”, “The big knife”, “He muerto mil veces”, “Attack”, “Atila, rey de los hunos”, “Un hombre solitario”, “Austerlitz”, “Barrabás”, “Los profesionales”, “Orgullo de estirpe” o “El desprecio”, entre muchas otras colaboraciones con los directores y actores más relevantes de la época. A partir de los años 80 había aparecido esporádicamente en productos de muy diversa índole, siendo los más populares “Bagdad Café”, “Arma joven”, “Batman” o “Tango y Cash”. En 1991 consiguió finalmente un Oscar© por “Cowboys de ciudad”, un premio que tenía una clara intención honorífica y con el que la Academia venía a saldar su deuda. Precisamente, durante los últimos años, Palance protagonizó dos anécdotas vinculadas con la ceremonia de los Oscar©, dando origen a una leyenda urbana según la cual en 1993 había entregado la estatuilla como Mejor Actriz Secundaria a Marisa Tomei por error y en estado de embriaguez.
En la imagen: Jack Palance en "Sudden Fear" - Copyright © 1952 RKO Radio Pictures, y en "Raíces profundas" - Copyright © 1953 Paramount Pictures. Todos los derechos reservados.
envíado por off-hollywood | 17 Octubre 2006 | 2 comentarios
El 12 de octubre fallecía a los 87 años el director y guionista italiano Gillo Pontecorvo, cuyo cine se había caracterizado por una importante militancia política en la que destacaba, de forma muy especial, su crítica contra el colonialismo. Pontecorvo había saltado a la fama internacional en 1966 con "La batalla de Argel", una cinta revolucionaria que relataba los sangrientos hechos ocurridos durante la independencia de Argelia, mezclando para ello documental y ficción. Considerada una obra maestra imprescindible dentro su género, "La batalla de Argel" estuvo censurada en Francia y España, y, de manera excepcional, recibió tres nominaciones al Oscar© en diferentes años —si en 1967 lo hacía como Mejor Película Extranjera, en 1969 sería candidata a la estatuilla por su dirección y guión—, además de llevarse el León de Oro en Venecia.
Pese a que nunca lograría repetir el mismo éxito, dentro de su irregular filmografía también sobresale "Queimada". Esta gran producción, ambientada durante las revueltas de esclavos en una isla del Caribe, estaba protagonizada por Marlon Brando y le valió un Premio David di Donnatello como Mejor Director en 1970. Aunque Pontecorvo se prodigó especialmente como cineasta en los 50 y 60, en 1980 regresaría a la gran pantalla con "Operación Ogro", una coproducción entre Italia, España y Francia que se centraba en el atentado de ETA contra Carrero Blanco y tenía a José Sacristán, Eusebio Poncela y Ángela Molina como principales intérpretes. Sus últimas películas se desarrollaron dentro del terreno documental, caso de "Un altro mondo è possibile", de 2001, y "Firenze, il nostro domani", de 2003. Pontecorvo era conocido asimismo por su estrecha vinculación con diversos festivales e instituciones cinematográficas, ocupando el cargo de director de la Mostra de Venecia entre 1992 y 1996.
En la imagen: Fotogramas de "La batalla de Argel" - Copyright © 1966 Casbah Film y Igor Film. Todos los derechos reservados.
envíado por off-hollywood | 13 Octubre 2006 | 3 comentarios
Hace pocos días nos referíamos a los anuncios de Álex de la Iglesia para FNAC que fueron retirados de la programación televisiva debido a sus contenidos supuestamente violentos. Pero incluso un genio como Billy Wilder no logró escapar de la censura, tal y como se puede comprobar en los siguientes dos vídeos, que recuperan algunas escenas inéditas de sus películas que nunca traspasaron la sala de montaje. En el primero asistimos a los ridículos recortes que sufrió “La tentación vive arriba” y, más concretamente, la provocativa presencia de Marilyn Monroe en pantalla, cuyo voluptuoso cuerpo atraía hasta a las llaves inglesas como un imán.
Más interesante si cabe es este otro documento, donde se recogen varios fragmentos eliminados de “Perdición” o “La vida privada de Sherlock Holmes”, estos últimos contra la voluntad de Wilder, así como el test de cámara que Walter Matthau realizó para el papel protagonista de “La tentación vive arriba”. Sin embargo, el más curioso corresponde a la secuencia que, inicialmente, debía abrir “El crepúsculo de los dioses”, y que el propio Billy Wilder decidió descartar de manera voluntaria después de asistir horrorizado a la reacción del público durante una proyección de prueba.
En la imagen: Fotograma de "El crespúsculo de los dioses" - Copyright © 1950 Paramount Pictures. Todos los derechos reservados.
envíado por off-hollywood | 12 Octubre 2006 | 1 comentario
El primer trabajo remunerado que realizó James Dean como actor fue para este anuncio de Pepsi de 1950, aunque, vista su fugaz presencia en pantalla, es bastante probable que no le pagaran demasiado. En caso de que os haya pasado desapercibido la primera vez, Dean es el chico con la americana negra que introduce la moneda en el piano-jukebox y que, posteriormente, le arrea un golpe a la máquina para que funcione, apuntando ya así sus maneras de “rebelde sin causa”. Sin embargo, su primer papel profesional con texto no le llegaría hasta el año siguiente, cuando interpretó al apóstol Juan -sí, habéis leído bien- en un episodio de “Family Theatre”, esta vez sorprendentemente modosito dadas las circunstancias.
Por su parte, Cary Grant había debutado en el cine en 1932 con “Singapore Sue”, un cortometraje musical de Casey Robinson donde intervino sin acreditar. En esta película, Grant tenía un pequeño papel como marinero chistoso y tabernario en un gag humorístico muy alejado del glamour al que se le asociaría después, aunque sin duda le ayudó a poner al descubierto su celebrada vis cómica. En realidad, Cary Grant participó ese mismo año en otras siete películas, entre ellas “La Venus rubia” -nada menos que junto a Marlene Dietrich-, “Entre la espada y la pared” -acompañando a Gary Cooper y Charles Laughton- o “Tuya para siempre”, en éstas ya acreditado e interpretando a personajes con nombre y apellidos.
En la imagen: James Dean en "Rebelde sin causa" - Copyright © 1955 Warner Bros. Pictures. Todos los derechos reservados. Cary Grant en "Encadenados" - Copyright © 1946 RKO Radio Pictures y Vanguard Films. Todos los derechos reservados.
envíado por off-hollywood | 11 Octubre 2006 | sin comentarios
Ray Harryhausen es uno de los maestros indiscutibles de la animación stop motion, cuyos efectos especiales, señeros en su campo y aún hoy en día fascinantes por su técnica artesanal, aplicó dentro del género de aventuras fantásticas y de la ciencia-ficción en míticos títulos como “Furia de titanes”, “Jasón y los argonautas”, “Los viajes de Gulliver”, “La isla misteriosa”, “Hace un millón de años”, “Simbad y el Ojo del Tigre” o "Surgió del fondo del mar", entre muchas otras cintas que acompañaron la infancia de varias generaciones.
The 7th Voyage es una magnífica y completísima web consagrada a la obra de este genial artista. Entre otros apartados destacados, el sitio ofrece una sección destinada a su filmografía, en la que podréis encontrar reseñas, fotografías, diseños y bocetos, anécdotas sobre la producción y un listado de los personajes animados que aparecen en cada cinta; un álbum familiar de sus criaturas, con explicaciones sobre su creación y fragmentos de vídeo para verlas en movimiento; una recopilación de proyectos primerizos, desconocidos o irrealizados en el terreno publicitario y el cinematográfico; y una página con los tráilers originales de los largometrajes en los que Harryhausen participó como animador, y en ocasiones también como guionista y productor. En definitiva, una cita imprescindible para los fans de Ray Harryhausen, así como un punto de partida ideal para aquellos que deseen introducirse en su trabajo.
En la imagen: Fotograma de "Jasón y los argonautas" - Copyright © 1963 Columbia Pictures Corporation y Morningside Worldwide S.A. Todos los derechos reservados.
envíado por off-hollywood | 25 Septiembre 2006 | 5 comentarios
La marca de ropa GAP ha decidido utilizar la imagen de Audrey Hepburn para su nueva campaña comercial de otoño-invierno. Así, la fallecida actriz ha sido resucitada digitalmente para protagonizar un original anuncio en el que sale de una escena de “Una cara con ángel”, película de 1957 que interpretó junto a Fred Astaire, y se pone a bailar al ritmo de la canción “Back in black” de la mítica banda de rock australiana AC/DC. El título del tema viene a cuento de la nueva línea de pantalones ajustados de color negro que la compañía acaba de lanzar bajo el lema “It’s back: The skinny black pant”, y que la protagonista de "Desayuno con diamantes" se encarga de promocionar con sus movimientos.
El spot, realizado por la agencia de publicidad Method Studios, está disponible en la web oficial de la firma o bien en YouTube. También se pude ver un vídeo sobre su realización. Audrey Hepburn murió en 1993 a los 64 años y es la primera vez desde entonces que se recibe autorización para emplear su imagen en un anuncio en los Estados Unidos.
En la imagen: Audrey Hepburn en "Desayuno con diamantes" - Copyright © 1961 Jurow-Shepherd y Paramount Pictures. Todos los derechos reservados.
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